Por Victoria Hope

A conferência South by Southwest® (SXSW®) anunciou os vencedores do Júri e do Prêmio Especial de 2025 do 32º SXSW Film & TV Festival! Os longas-metragens que receberam os Prêmios do Júri foram selecionados nas categorias Narrative Feature e Documentary Feature Competition, além de todas as outras seções com júri, incluindo Shorts, Independent TV Pilots, Music Videos, Poster Design e XR Experience Awards. 

Já os prêmios especiais anunciados incluíram o SXSW Best of Texas Award, Redbreast Unhidden Award, Vimeo Staff Pick Award, Agog Immersive Impact Award, NEON Auteur Award, Janet Pierson Champion Award apresentado pela Indiewire e o The Howl of Fame Award.

"A energia no SXSW foi absolutamente elétrica esta semana! Nossos cinemas estavam lotados com públicos apaixonados abraçando a incrível diversidade de histórias em nossa programação", disse Claudette Godfrey, VP, Film & TV. "Estou emocionada em celebrar nosso júri e vencedores de prêmios especiais — eles realmente representam o que torna este festival tão especial!"

Confira a lista de vencedores abaixo:

~ NARRATIVE FEATURE COMPETITION ~

Vencedor: Slanted dirigido por Amy Wang

Prêmio especial do Júri para artista Multifacetado: Annapurna Sriram, Fucktoys

Júri especial para Performance: Amanda Peet, Fantasy Life

~ DOCUMENTARY FEATURE COMPETITION ~

Vencedor: Shuffle dirigido por Benjamin Flaherty

Prêmio especial do Júri: The Python Hunt dirigido por Xander Robin 

Prêmio especial do Júri: Remaining Native dirigido por Paige Bethmann

~ NARRATIVE SHORT COMPETITION ~

Vencedor: One Day This Kid diridido por Alexander Farah

Prêmio especial do Júri: I'm The Most Racist Person I Know dirigido por Leela Varghese 

~ DOCUMENTARY SHORT COMPETITION ~

Vencedor: Looking for a Donkey dirigido por Juan Vicente Manrique

Prêmio especoal do Júri: Welcome Home Freckles dirigido por Huiju Park

 

Por Victoria Hope

Em um mundo frequentemente definido por julgamentos rápidos e rótulos persistentes, o documentário em curta-metragem EXODUS emerge como um farol de esperança, oferecendo um olhar profundo e compassivo sobre a vida de duas mulheres navegando pelo complexo e desafiador território da vida pós-prisão. Através de uma narrativa sensível e envolvente, o filme nos convida a questionar nossas percepções sobre o passado, a redenção e o verdadeiro significado da família.

EXODUS não se limita a retratar a dura realidade da reintegração social após o encarceramento; ele mergulha na essência da experiência humana, expondo a vulnerabilidade, a resiliência e a inabalável busca por um futuro melhor que reside em cada uma dessas mulheres. Ao acompanharmos suas jornadas, somos confrontados com a necessidade urgente de empatia e compreensão em uma sociedade que muitas vezes se mostra implacável com aqueles que buscam uma segunda chance.

Enquanto essas duas mulheres trilham seus caminhos rumo ao futuro, o filme nos apresenta a humanidade que reside em cada uma delas, desafiando a noção de que seu passado define quem elas são. O filme revela suas esperanças, seus medos, suas lutas e suas vitórias, mostrando que, apesar dos obstáculos que enfrentam, elas permanecem resilientes e determinadas a construir um futuro melhor para si mesmas.

EXODUS também aborda o tema da perda, tanto no sentido literal quanto figurado. As mulheres retratadas no filme perderam anos de suas vidas para a prisão, perderam a oportunidade de estar presentes para seus entes queridos e perderam a confiança da sociedade. No entanto, o filme também celebra a esperança da renovação, mostrando como essas mulheres estão trabalhando para superar suas perdas e construir um futuro melhor.

Através de imagens poderosas e depoimentos emocionantes, esse documentário nos lembra que a redenção é possível e que todos merecem uma segunda chance. O filme nos convida a olhar além dos erros do passado e a reconhecer o potencial de crescimento e transformação que reside em cada ser humano.

NOTA: 8.5/10

Por Victoria Hope

Julie Forrest Wyman's poignant documentary, "The Tallest Dwarf," offers a unique and deeply personal exploration of identity, acceptance, and the complexities of belonging. More than just an observer, Wyman invites viewers on her own journey of self-discovery as she navigates her place within the little people (LP) community – a community she intimately identifies with.

The film avoids the common pitfalls of outsider perspectives, instead providing an authentic and compelling firsthand account and paints a vibrant portrait of the LP community, moving beyond stereotypes and delving into the nuanced realities of their lives.

In "The Tallest Dwarf", Wyman doesn't shy away from the difficult questions. She explores the internal struggles that individuals face as they reconcile their personal identity with societal perceptions. The film delicately uncovers the adversity faced by the LP community, from everyday accessibility issues to the more profound emotional and psychological impacts of being different.

During SXSW, our team had the opportunity to talk to the director and explore themes such as self-acceptance, the search for belonging, and the challenges of navigating a world that often is designed for many communities.

Julie Forrest Wyman / Photo: SXSW

Amélie Magazine: 'The Tallest Dwarf' is a very personal journey for you, so how does it feel like to have this film premiering at SXSW? 

Julie Wyman: Yeah, it's sort of a very big place to bring such an intimate story and it's really so exciting to be included here and also to literally see the film projected on a giant screen, which is how I intented! It's really meant to be cinematic visually. It's exciting, a little nervewrecking too, but what's been really meaningful was hearing the audience members saying that the film spoke to them so much, whethter they know about little people and dwarfism or not, and most of them do not, so it was sort of relatable and there was a lot of connection and the sense of being in between ans belonging.

 And having some of the participants here with me and my team, and of course, a couple of the people in the film where able to come and sort of sit in the theater and for all of them to take in "this is the movie" and to go our in the world and share our culture and our history. 

As you know, some have seen little people on reality TV or in carnivals, but to kind of understand that we have a long history as our own culture in its complexity (was the intention). But also there are lots of threats on display that we have to navigate every day, so being with people with the same experience and for them ti see and take in the audience, that was really beautiful.

Amélie Magazine: We follow Dwarfism History on Tiktok and we thing Aubrey is an amazing creator about the subject. With that in mind, can you introduce us to more influencers who are part of the little people community for us to follow? 

Julie Wyman: Well of course, several people from the filme have a social media presence, such as Katrina Kemp, she speaks nearly the end of the film and she's a performer, ann then Matthew Jeffers, who's also a performer who writes the script for the photograph of the two people wearing monkey masks, and then we have. One of the people who've also been part of the team on the advisory board is Rance Nyx! He's an actor and also does short films! You might recognize him because he's been in plenty TV shows.

There are so many cool people I follow, there's also Caity B, who's a Fashion Designer and she's a little person who makes incredible pieces and amazing embroidery art, like drawings made out of embroidery for the clothes and a lot of it is scaled for little people. 

And still talking about fashion, there's one company called Chamaiah Dewey, she's average height designer, but she also created for the little people community, by also creating for the community, including what we call in the fashion world as social models in terms of disabilties, like "let's change the world' and she does that and it's so beautiful!

The Tallest Dwarfv / Photo: SXSW

Amélie Magazine: While filming this documentary, there were probably challenges either in terms of technical issues to emotional aspects, can you talk about that?

Julie Wyman: Sure, I think all documentaries have technical issues to manage, but for me, the emotional, the community part, the cultural aspect, that was the biggest area of challenges. I had a lot of discomfort and was unsure while filming in little people communities. I kind of knew on a gut level that it was loaded and there was an entrreprise even to ask to little people to film with me.

And as I got to know the community, it became more and more clear. Little People of America didn't want me to film in certain places and part of the conferences, so I didn't and I worked with what i was granted permission to do, but I think, as a person who needs to be there, I felt like I had to shift who my story was about to understand that this film would not be about exploiting people; they were going to tell the story with me and have the camera as a witness, so really I ahad to rethink what story I was telling and this is why the workshop I was working in was done with actors and performers who actually wanted to be on camera. It was like a world we made for ourselves.

At first I was thinking like other documentaries, like "I gotta get to that little corner, the hard little corners that no one has access to, but after a while, I started to realise that there was so much in the community and friendships that are forming to explore and unpack with the histories that tie together everyday, to tell what was happening in the rooms where the camera was invited.

Amélie Magazine: Do you have a funny story from the set while filming?

Julie Wyman: *laughter* See, this also related to something that we didn't include in the film, that was in the cutting room, so, my parents are, as you could see in the film, my mom doesn't totally understand why I care so much about this identity. Both of my parents didn't at the beginning, but they really wantd to participate, even if they didn't understand it, so once, I've asked my parents to reenact my birth *laughter*, in a park on a picnic bench.7

So my mom pretended to give birth to me, screaming and pret4nding to feel all of the labour pains, while my dad was holding her hand and from under the table I pop out, like, adult me, like a baby *laughter* I mean, it's totally absurd and I loved it the idea was like "what If I had my diagnosis before I was born, but it was so weird. I kinda want to put it in social media for people to see because it's hilarious! People from the team have seen in and they laughed but they also thought it didn't quite fit, so we took it out.

Amélie Magazine: Which lessons can the audience of SXSW take home from this film?

Julie Wyman: I hope the people who see the film experience a new form of beauty, take that in and hold it and believe in can be in the world. Bodies of different shapes, little people bodies, a sense of these varying proportions and different ways of moving, all very differnt from the standart, tall, thin, white, not white... So I want theem to hold that in and knwo that is is part of our world.

I'm hoping we can see disabilities as a difference that is important to our world and that we need in our world and that we value. It's kind of a big picture but I hope people get to see that. A lot of this film is about parents and children, you know? And a lot of kids are different from their parents,maybe they are neurodirvegent, people who are queer, trans, I hope that this film can show people how important the simple act of saying 'I understand you' or saying 'I hear you', ' I get that this is important', just that, is so beautiful and  does so much instead of the resistance or fear of that different;

Amélie Magazine: If you could time travel and see yourself as little Julie, talking to a mirror, what message would you like to tell her?

Julie Wyman: I love that question! You are gorgeous the way you are! There is no one exactly like you and that is something to hold, and you know bring yourself to the world, don't be scared, you'll find your place.

Amélie Magazine: One word to define The Tallest Dwarf?

Julie Wyman: That's a hard one! I wanna say belonging, but I'm not sure... Community. It's very much a mixture of things. Hopefully those are some words *laughter*

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'The Tallest Dwarf' cast and crew / Photo: SXSW 2025

To follow more stories and personalities from the little people community, make sure to follow:

Caity B

https://www.instagram.com/ca8ty?igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==

Thetallestdwarffilm

https://www.instagram.com/thetallestdwarffilm

Julie Wyman 

https://www.instagram.com/onteejoowee/

Rance nix

https://www.instagram.com/rancenix?igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==

Chamaiah Dewey

https://www.instagram.com/dewey_clothing?igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==

Matthew Jeffers

https://www.instagram.com/matthewaugustjeffers?igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==

Katrina kemp

https://www.instagram.com/kueenkatrina?igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==

 

Por Victoria Hope

American Sons, parte do Spotlight de Documentários, é um filme comovente e emocionante que segue um grupo de veteranos da Marinha enquanto eles trabalham para superar seus traumas passados ​​e lamentam a perda de seu camarada e amigo mais próximo, o Cabo JV Villarreal. 

O filme é um mergulho profundo e pessoal nos efeitos duradouros da guerra em nossos veteranos dos EUA. Em sua essência, o filme é uma exploração importante e precisa de fraternidade, resiliência, comunidade e um chamado à ação para garantir que nossos soldados sejam cuidados quando retornam do serviço.

Depois que o cabo Jorge “JV” Villarreal Jr. do Corpo de Fuzileiros Navais dos EUA morreu em outubro de 2010 enquanto servia no Afeganistão, sua irmã mais velha, April Rodriguez, decidiu que sua história deveria continuar viva.

O tema central da história foca na luta que os veteranos enfrentam ao retornar para casa da guerra, como Stress pós-traumático, depressão e também  nas pessoas que assim como Jorge, perderam a vida durante durante a guerra. 

O documentário joga luz para os sentimentos dos familiares e como seguir em frente após perdas tão grandes e um dos maiores pontos fortes do filme é sua capacidade de humanizar seus temas. Os cineastas fizeram um excelente trabalho ao capturar as personalidades e lutas individuais de cada fuzileiro naval. Isso permite que o público se conecte com eles em um nível mais profundo e entenda seus desafios.

Outro ponto forte do filme é sua representação honesta e sem adornos das lutas que os veteranos enfrentam. O filme não evita os aspectos difíceis, pois em vez disso, ele os enfrenta de frente e oferece uma visão realista dos desafios que os veteranos enfrentam ao retornar para casa.

NOTA: 8.5/10

 

Por Victoria Hope

Ritmos da Alma e da Resistência

'La 42" é um filme hipnotizante de José Maria Cabral, que nos transporta para o coração pulsante da Rua 42 em Capotillo, um microcosmo da vida afrolatina, repleto de dança, música e sonhos esmagados. A trama segue a vida entrelaçada de três personagens principais, cada um personificando diferentes aspectos da busca por fama e reconhecimento em um ambiente marcado pela opressão e vulnerabilidade.

O filme captura com maestria a aura caribenha com todas as suas nuances e pluraridades. O filme não se esquiva das alegrias e das tristezas, da beleza e do assustador, da esperança e do desespero. Ele retrata a vida como ela é, com seus momentos de êxtase e seus momentos de dor. A questão das drogas e da vulnerabilidade social são abordadas com honestidade e sem julgamentos, expondo a realidade de muitos que vivem à margem da sociedade.

A noite das ruas ganha vida em "La 42", com festas são vibrantes,  completamente caóticas, embaladas por uma música contagiante, fazendo a dança dos personagens florescer. É fascinante observar como a dança se torna uma forma de resistência, de celebração e de conexão para esses artistas. Ela é a linguagem que transcende as barreiras sociais e econômicas, permitindo que eles se expressem livremente e compartilhem sua paixão com o mundo.

La 42 (42nd Street) / Foto: Prodigy

Embora o filme passe rapidamente pelo tema do tráfico de drogas e pela cena do crime que assola Capotillo, este funciona mais como um pano de fundo para a trama principal. A breve incursão nesse submundo serve para ilustrar a vulnerabilidade dos personagens, por conta do local em que vivem, no entanto, o foco principal do documentário permanece na conexão profunda que os une à arte e na forma como essa conexão pode ser a chave para futuros promissores.

É incrível como cada detalhe é minucioso nesse filme lembra da nossa cultura latina aqui do Brasil, desde os sapatos atirados nos fios de eletricidade das ruas ao ritmo frenético e as tragédias, mas também como o povo, em meio a dor consegue perseverar e seguir em frente, afinal não há escolha. Muitos ainda vão lutar para perseverar e para evitar as tentativas de gentrificação do local.

NOTA: 8.5/10

 

Por Victoria Hope

“The Tallest Dwarf,” part of the Documentary Spotlight of this year's SXSW, is more than just a documentary; it’s an intimate and poignant experience that invites us to reflect on identity, belonging, and the search for acceptance.

Filmmaker Julie Forrest Wyman embarks on an honest exploration of the community of little people (LP) and through revealing interviews and deeply personal narratives from each interviewee, Wyman offers us a unique and essential perspective on a world that is often marginalized and misunderstood.

The film is not a superficial analysis of dwarfism,rather, it is a deep dive into the complexity of the community’s experience, brilliantly guided by Wyman. The camera becomes an extension of their quest, capturing moments of vulnerability, joy, frustration, and, above all, a constant search for mutual understanding.

One of the documentary's strengths lies in the brutal honesty with which the guests talk about their realities, bringing an honesty that disarms the viewer and allows for a deeper connection with the stories shared. 

The Tallest Dwarf / Photo: SXSW 

The interviews with community members are the beating heart of the film. Each individual shares their experiences with impressive candor, revealing the daily challenges they face, from the limited accessibility of the built world for people of average height to the curious and sometimes prejudiced looks of society.

However, the film does not limit itself to exposing the difficulties. It also celebrates the sense of community that unites these people, as well as their particular experiences with dwarfism, a topic that is really little explored by the mainstream media in the way it is explored here in "The Tallest Dwarf".

The documentary does a great job of shedding light on the nuances of the LP identity, showing that it is not a monolithic entity, but rather a mosaic of experiences and perspectives, expanding perspectives on the ways in which people with dwarfism identify and navigate the world, from those who embrace their identity to those who, despite acceptance, still face difficulties in accessibility, whether due to ableism in society or the lack of acceptance in the job market, for example. 

At the end of the day, the greatest positive message that remains is that diversity is crucial to challenging stereotypes and promoting a more complete understanding of the community, which continues to fight for respect in society. More than integration into society, what the LP community wants is respect and dignity to be able to live free from judgment and the gaze of others, with appropriate access and the same opportunities as everyone else.  

NOTA: 10/10

Por Victoria Hope

The Infinity Husk é um drama de ficção científica alucinante, misterioso e hipnotizante que explora e interroga a humanidade por meio da consciência da cientista extraterrestre exilada Vel. Forçada a deixar sua casa para ocupar o corpo humano de uma jovem negra na Terra, ela é enviada em uma missão complicada e sombria para espionar um companheiro exilado, Mauro.

O longa é uma pequena jóia da ficção científica contemporânea,  nvolvente e profundamente misteriosa. Longe de ser apenas mais uma narrativa sobre alienígenas e tecnologia futurista, este filme sonda as profundezas da consciência humana e da linguagem como um todo, questionando o que realmente significa ser humano através das lentes de seres de outro mundo. 

A premissa de "The Infinite Husk" é tão intrigante quanto inovadora e gira em torno de dois seres não humanos, os "Husks" do título, que se encontram em uma jornada de descoberta através da linguagem humana. Essa escolha narrativa é muito criativa, pois permite que o filme explore as complexidades da comunicação, da emoção e da percepção humana sob uma nova perspectiva. 

The Infinity Husk / Foto: SXSW

O lado mais interessante do filme reside na forma como utiliza esta perspectiva alienígena para iluminar aspectos da nossa própria humanidade que frequentemente negligenciamos ou tomamos como garantidos. Através do seu olhar inquisitivo, somos forçados a confrontar as nossas contradições, os nossos preconceitos e as nossas limitações.  

Afinal, o que nos define como indivíduos e como sociedade? Esse não é um um filme que oferece respostas fáceis, mas sim um convite à auto-reflexão e a um exame honesto das nossas próprias crenças e valores.

Além da sua exploração filosófica da condição humana, o filme também tece uma crítica política sutil, mas extremamente perspicaz, sobre o estado do nosso mundo. Através das interações dos Husks com a sociedade humana, o filme expõe as desigualdades, a injustiça e a violência que permeiam as nossas instituições e relações, utilizando até mesmo temas super recentes como a forma com a qual imigrantes estão sendo tratados atualmente nos Estados Unidos. 

The Infinity Husk / Foto: SXSW

Apesar do ritmo lento do desenvolvimento da história (apesar de uma cena de ação bem eletrizante), todo o conceito dos Husks é, sem dúvida, um dos aspetos mais criativos e originais desse longa, principalmente porque a ideia de seres alienígenas que exploram a humanidade através da linguagem é fascinante e oferece inúmeras possibilidades narrativas. Talvez a história se beneficiasse com cenas mais dinâmicas e diálogos um pouco mais curtos, mas isso depende do gosto particular de casa expectador. 

E outro mérito do longa reside, em grande parte, nas atuações cativantes do seu elenco. A protagonista, em particular, oferece uma interpretação contida, mas que transmite a complexidade e a vulnerabilidade necessária para sua personagem, mas que quando tem a chance de mostrar toda a fúria de sua personagem, brilha, principalmente ao lado de sua co-estrela que em contrapartica a complementa perfeitamente, mostrando a perda da inocência através de um ser que já vive na Terra há muitos tempo e que perdeu a fé na humanidade, mas que ainda tenta retomar as rédeas de sua vida, se tornando infinito.

Essencialmente, "The Infinite Husk" não é um filme para ser assistido passivamente. Exige a nossa atenção, a nossa empatia e a nossa vontade de questionar as nossas próprias suposições sobre a verdadeira intenção desses aliens. Eles querem vida eterna, assim como muitos humanos, mas a mensagem vai muito além disso e o plot-twist do final vai fazer a audiência ficar boquiaberta.

 

Por Victoria Hope

"The Tallest Dwarf", um dos destaques do Documentary Spotlight, é mais do que um simples documentário; é uma experiência íntima e pungente que nos convida a refletir sobre identidade, pertencimento e a busca por aceitação. 

A cineasta Julie Forrest Wyman embarca em uma honesta exploração sobre a comunidade de pessoas pequenas (LP), também conhecida como anãs. Através de entrevistas reveladoras e uma narrativa profundamente pessoal de cada entrevistado, Wyman nos oferece uma perspectiva única e essencial sobre um mundo frequentemente marginalizado e incompreendido.

O filme não é uma análise superficial do nanismo. Pelo contrário, é um mergulho profundo na complexidade da experiência da comunidade, guiada de forma brilhante por Wyman. A câmera se torna uma extensão de sua busca, capturando momentos de vulnerabilidade, alegria, frustração e, acima de tudo, uma busca constante por compreensão mútua.

Um dos pontos fortes do documentário reside na honestidade brutal com que os convidados abordam sobre suas realidades, trazendo uma honestidade que desarma o espectador e permite uma conexão mais profunda com as histórias compartilhadas.

As entrevistas com membros da comunidade são o coração pulsante do filme. Cada indivíduo compartilha suas experiências com uma franqueza impressionante, revelando os desafios diários que enfrentam, desde a acessibilidade limitada do mundo construído para pessoas de altura média até os olhares curiosos e, por vezes, preconceituosos da sociedade. 

No entanto, o filme não se limita a expor as dificuldades. Ele também celebra o senso de comunidade que unem essas pessoas, bem como as suas experiências particulares sobre o nanismo, tema que realmente é pouco explorado pela grande mídia da forma que é explorado aqui em "The Tallest Dwarf".

O documentário acerta muito ao iluminar as nuances da identidade LP, mostrando que não é uma entidade monolítica, mas sim um mosaico de experiências e perspectivas, expandindo perspectivas pelas maneiras pelas quais as pessoas com nanismo se identificam e navegam pelo mundo, desde aqueles que abraçam sua identidade a pessoas que mesmo com aceitação, ainda passam por dificuldades de acessibilidade seja pelo capacitismo da sociedade ou pela falta de acolhimento do mercado de trabalho, por exemplo. 

A grande mensagem positiva que fica é essa diversidade é crucial para desafiar estereótipos e promover uma compreensão mais completa da comunidade, que ainda segue lutando por respeito em meio a sociedade. Mais do que integrar a sociedade, o que a comunidade LP deseja, é respeito e dignidade de poder viver livre de julgamentos e olhaares alheios, com acesso apropriado e as mesmas oportunidades de todos.

NOTA: 10/10

 

Por Victoria Hope

"Real Faces", filme belga de Leni Huyghe, emerge como um estudo de personagem íntimo e introspectivo, que acompanha Julia em sua busca por autenticidade em um mundo cada vez mais fragmentado e desconectado. O filme, oferece uma reflexão poderosa sobre a importância de se manter fiel a si mesmo, mesmo diante das pressões externas e das expectativas sociais. 

Através de uma narrativa envolvente, essa história explora a força transformadora da conexão humana e o impacto que um único encontro pode ter em nossa trajetória de vida, bem como explora a relação de Julia e Eliott, essas duas pessoas tão diferentes que estão lutando para se encaixar em suas respectivas áreas de trabalho, passando por temáticas da solidão, capitalismo e como cidades grandes muitas vezes sufocam,. 

A narrativa do filme se desenrola em um ritmo contemplativo, permitindo que o público mergulhe na psique de Julia  e Eliott e compreenda suas motivações, medos e aspirações. As performances de Leonie Buysse e Gorges Ocloo são notáveis, transmitindo a vulnerabilidade e a determinação de seus personagens de forma autêntica e cativante. 

Real Faces / Foto: SXSW 

Um dos aspectos mais marcantes de "Real Faces" é a forma como o filme explora a importância da conexão humana. Em um mundo onde muitas coisas nos isolam e nos distanciam uns dos outros, o filme nos lembra do poder transformador de um encontro genuíno. 

Ao longo do filme, a relação que Julia desenvolve todos essas atores que passam por sua vida, é muito interessantes, mostrando que ela é capaz de ser quase que uma semi-psicóloga para essas pessoas, sempre lidando com as questões dos outros com sutileza e empatia, diga-se de passagem, de maneira muito diferente com a qual ela mesma se trata enquanto pessoa. 

A direção de Huyghe é minimalista e elegante, característica bem marcante do cinema belga, com uma fotografia que valoriza a beleza da simplicidade e a expressividade dos rostos em contraste com a loucura da cidade grande, enquanto a trilha sonora, discreta e melancólica, complementa a atmosfera introspectiva do filme, intensificando o impacto emocional das cenas. O roteiro é bem construído, com diálogos inteligentes e momentos de silêncio que dizem mais do que palavras.

Esse não é um filme de ação ou de reviravoltas dramáticas. É um filme sobre a vida, com suas nuances, suas imperfeições e suas pequenas vitórias. É um filme que nos convida a refletir sobre nossas próprias vidas, sobre nossas escolhas e sobre a importância de viver de forma verdadeira, afinal a vida é mais do que trabalho, mais do que o caos da cidade, é sobre conexões genuínas que se mostram quase impossíveis nesse mar de gente. 

NOTA: 8.5/10

 

Por Victoria Hope

Em um cenário contemporâneo marcado pela busca incessante por autoconhecimento e realização pessoal, o filme "Your Higher Self", de Annie St-Pierre' emerge como uma obra singular que lança um olhar perspicaz e, por vezes, excêntrico sobre o fenômeno em expansão do coaching de vida. Através da observação de quinze sessões distintas, o filme tece um ensaio filosófico que questiona os valores e as aspirações da nossa era, utilizando a profissão de coach como um espelho para refletir as complexidades da emancipação individual.

A narrativa, que se distancia da abordagem convencional do documentário, opta por uma forma que brinca com a distância para, paradoxalmente, revelar a intimidade dos participantes. Essa escolha estilística permite ao espectador contemplar as sessões de coaching com um olhar analítico, desconstruindo a aura de autoajuda para expor as nuances e contradições inerentes ao processo.

É importante ressaltar documentário não se propõe a julgar a eficácia do coaching de vida, mas sim a explorá-lo como um sintoma de uma sociedade obcecada pela otimização pessoal. As sessões, filmadas com uma câmera discreta, revelam a vulnerabilidade e a esperança dos indivíduos que buscam a orientação de um coach. Eles compartilham suas angústias, seus sonhos e suas frustrações, buscando clareza em um mundo cada vez mais complexo e incerto.

Your Higher Self / Foto: SXSW 

"Your Higher Self" não se limita a retratar as sessões de coaching de forma passiva. O filme intervém na narrativa através de comentários e reflexões que provocam o espectador a questionar os pressupostos subjacentes a essa busca por autodesenvolvimento. É também muito interessante ver como filme convida o público a desconstruir a ideia romantizada da "melhor versão de si mesmo", principalmente enquanto os treinamentos dos coashes são explorados, sempre ressaltando que eles não são substitutos à terapeutas licenciados.

Ao longo do filme, somos confrontados com a crescente sacralização da emancipação individual. A busca por significado e propósito, antes relegada ao âmbito da religião ou da filosofia, agora é canalizada através de técnicas e métodos que prometem a transformação pessoal. O coaching de vida se apresenta como uma ferramenta para alcançar a felicidade e o sucesso, mas o filme questiona se essa busca incessante por autoaperfeiçoamento não se torna, paradoxalmente, uma fonte de ansiedade e insatisfação.

Em geral, o documentário apresenta uma reflexão provocadora sobre a busca universal e perpétua de todos os seres humanos: a busca por significado. Ao explorar o fenômeno do coaching de vida, o filme nos convida a questionar os valores da nossa época e a repensar a nossa própria jornada em busca de uma vida mais significativa. 

NOTA: 8/10  

 

Por Victoria Hope

Em Sheffield, 1989, os adolescentes Daniel e Alison se conhecem em uma festa em casa e se unem por seu amor pela música. Daniel é popular, já Alison nem um pouco. Quando eles se encontram na pista de dança, suas vidas mudam para sempre. 

O relacionamento que eles forjam naquela noite os seguirá para sempre e os deixará imaginando o que poderia ter sido. Vinte anos depois, Daniel está em Sheffield e Alison em Sydney. Ambos são casados, com filhos quase crescidos. 

A vida parece diferente para ambos do que eles imaginaram aos dezessete anos. Daniel, impotente diante da forte influência que a memória de Alison ainda tem sobre ele, estende a mão para ela na esperança de que eles possam reacender aquela centelha.

Mix Tape é um drama romântico dirigido por Lucy Gaffy e estrelado por Jim Sturgess (21, Across the Universe), Teresa Palmer (Warm Bodies, The Fall Guy, “A Discovery of Witches”), Florence Hunt (“Bridgerton”) e Rory Walton-Smith

A série traz justamente aquele sentimento de romance que há anos não é visto em séries de televisão, o que torna esse projeto algo bem especial. Toda a ideia do romance que poderia ter sido, é muito interessante e no cinema foi abordada por alguns títulos como "Vidas Passadas", "In the Mood For Love' entre outros.

Aquele romance da juventude e toda ideia do que ele poderia ter sido são ideias que tomam o imaginário da vida adulta. Todos conhecem ao menos uma pessoa que já passou por isso em algum momento da vida, o que torna a trama de Daniel e Alison tão identificável.

De forma bem leve, a série revisita a dinâmica complexa de um amor adolescente que, apesar de intenso, não resistiu às provações do tempo e das escolhas individuais. As atuações ótimas dos protagonistas, tanto em suas versões jovens quanto adultas, são um dos pontos altos, capturando a inocência e a intensidade do primeiro amor, bem como as nuances das vidas que construíram separadamente. 

A trama nos envolve na expectativa de um reencontro, nos questionando se a chama daquele sentimento juvenil ainda pode reacender. A sacada genial de modernizar o conceito da mixtape, substituindo as fitas cassete por playlists em aplicativos de música, traz uma nostalgia inteligente, conectando diferentes gerações e ressignificando a forma como compartilhamos nossos sentimentos através da música. 

Se há uma coisa certa sobre os dois primeiros episódios da série, é que a curiosidade sobre o futuro do casal e a esperança de que o destino os una novamente nos mantém presos e torna essa história bem intrigante para apaixonados por romance.

NOTA: 8.5/10

 

Por Victoria Hope

No curta de terror Video Barn de Bianca Poletti, duas garotas excêntricas que trabalham na locadora de vídeo local de uma cidade pequena tentam resolver os mistérios do passado obscuro da cidade quando uma delas desaparece misteriosamente. 

Estrelado por Grace Van Dien e Reina Hardesty, o curta homenageia os filmes surrealistas dos anos 80, misturando humor ácido, com a temática da amizade e a atração pelo desconhecido para criar essa história singularmente assustadora. 

Na trama, Jules e Hannah nitidamente tem uma amizade daquelas especiais onde há cumplicidade. Elas se unem pelo amor que tem por filmes de horror e suspense, o que ajuda a criar ainda mais uma atmosfera sombria para essa história.

O curta lembra em alguns momentos das obras surrealistas  inciais de David Lynch, com uma pitada da de Poltergeist e Twilight Zone. A trama é envolvente do início ao fim e nos faz querer acompanhar mais sobre os mistérios da cidade e sobre os segredos guardados naquela fita cassete

Poletti conasegue em um espaço bem curto de tempo, criar personagens envolventes e que realmente interesssam ao público, o que nos faz pensar que esse seria um excelente filme longa metragem mais para frente, com alguns toques aqui e ali para expandir ainda mais essa história.

As escolhas de figuros, maquiagem e roteiro também são excelentes e ajudam a criar a atmosfera oitentista, ano auge onde diversas produções com essa temática encantavam e assustavam diversas gerações. Atualmente existem poucas séries de televisão genuinamente de terror, então Video Barn é um sopro de criatividade que a indústria precisa para se renovar. 

NOTA: 9/10

 

Por Victoria Hope

Estrelado por Misha Osherovich (Freaky), o aclamado comediante Nico Carney, Suzanne Cryer (Silicon Valley), Mark Indelicato (Hacks) e Malia Pyles (Pretty Little Liars: Original Sin), o filme segue os alunos do último ano do ensino médio Alex e Ethan, que fingem ser mulheres trans para ter acesso ao vestiário feminino. É tudo uma piada até que Ethan percebe que ela realmente é trans, e os dois amigos devem levar em conta a mudança na amizade e o processo de se assumirem.

O filme tinha tudo para cair em outro lado por conta da temática, que para muitos, pode parecer polêmica, mas é exatamente pelo momento em que a comunidade passa mundialmente, que tramas como a de "She's the He', são muito bem-vindas e necessárias. 

Essa bhistória é leve e hilária, apesar de tocar em diversos assuntos muito sérios como a questão de identidade de gênero, sexualidade, além de questões socio-políticas e culturais relacionadas à comunidade trans. Um dos trunfos é ver essa história representada por protagonistas que fazem parte da comunidade, o que adiciona ainda mais nuances à cada uma das performances.

Ver a transformação de Ethan e sua jornada de auto-descoberta é algo muito interessante de se ver e também algo representado de forma bem positiva, pois mesmo Ethan passe por algumas situações de transfobia, seja pela boca de sua mãe ou da sociedade, Ethan consegue ao final se encontrar e receber a aceitação que tanto esperava.

Esse filme é um excelente coming of age queer, que tem tudo para se tornar fan fave na temporada de festivais, mas é claro que para isso, o público precisa abrir a mente e entender que a identidade de gênero vai muito além da binaridade e que tudo o que a comunidade LGTQIAP+ quer é apenas viver tranquila, feliz, com todos os desafios, amores e dessabores que a vida tende a oferecer e não apenas sobreviver em uma sociedade tão hostil para com suas existências.

A dupla principal interpretada por Misha e Nico brilha junto, seja nos momentos de tensão ou em alguns dos momentos mais hilários em tela. É claro que o filme ainda tem algumas questões aqui e ali quanto ao ritmo, mas nada disso chega a incomodar, pois a direção de Siobhan McCarthy é completamente hipnotizante, conseguindo extrair o máximo de seu elenco, trazendo personagens muito fascinantes de acompanhar e bem tridimensionais, mostrando que são mais do que apenas sua identidade de gênero e sexualidade, mas também reforçando que essas características também fazem parte do que é ser uma pessoa e não existe forma de separar, afinal isso também faz Ethan e Alex serem quem são.

Representatividade positiva assim em tela é algo raro de se ver e principalmente nesse momento, é muito importante de ser reforçada. É certeza absoluta que muitas gerações irão se identificar com a história desses personagens e se inspirar, sabendo que num mundo ideal, tudo irá dar certo no final. 

NOTA: 8.5/10

 

Por Victoria Hope

No belíssimo curta de animação em stop-motion "Baggage",  de Lucy Davidson (da equipe dop indicado ao Oscar "Memórias de Um Caracol"), três amigas despacham suas bagagens no aeroporto, mas uma delas está carregando um pouco mais que as outras. Enquanto elas viajam pela esteira rolante até a segurança, ela consegue esconder o que tem dentro? 

O curta de Lucy Davidson é um filme cômico, mas comovente, que explora a amizade feminina e o peso emocional que os verdadeiros amigos ajudam a carregar pela vida.  Além de ser  selecionado para o London International Animation Festival e Flickerfest, ganhou o prêmio de "Melhor Curta de Animação" no Peninsula Film Festival. 

Com uma ideia simples, mas muito emocionante, Baggage é o curta de animação mais interessante dos últimos anos. Seguindo a temática de toda a bagagem emocional que mulheres levam ao longo de suas vidas, o filme mostra, com muito bom humor, como todas são julgadas pelo seu passado, principalmente pela sociedade, mas que ter amizades verdadeiras é crucial para erguer as mulheres e fazê-las terem orgulho de suas jornadas.

O estilo stop-motion é excelente pra contar esse tipo de narrativa e a cada momento, a audiência vai se pegar pausando os olhos em cada detalhe da mala, com certeza se identificando com alguns dos traumas, medos, receios e sonhos abandonados que a personagem carrega.

Baggage é um curta muito empoderador ao nos lembrar que nunca estamos sozinhas e que muitas já passaram pelas mesmas dores. Não é vergonha ter abandonado sonhos ou não ter relacionamentos que deram certo no passado, afinal, sempre há tempo de recomeçar e é por isso que o apoio de quem está próximo é tão importante para a jornada de cura. 

A grande mensagem é a que está tudo bem carregar esse peso, ele incomoda, mas também mostra o quanto a pessoa já viveu e quantas vezes ela pode retomar sua própria vida, afinal, todos temos bagagens. e tudo vai ficar bem, eventualmente.

NOTA: 10/10

 

Por Victoria Hope

No sensível curta 'Jedo's Dead' de Sarah Mine, durante a turbulência social e política do 11 de Setembro, uma jovem e o seu irmão confrontam-se intimamente com a perda quando descobrem o corpo do seu avô morto. 

O curta enquadra os rituais tradicionais que cercam a morte e a perda através dos olhos das crianças, com muita reverência, mas também pelos próprios conceitos e visões de mundo desses dois personagens. Sozinhos e confusos, eles percorrem os estágios do luto humano – do dolorosamente humano ao inescapavelmente transcendente.

Sempre que se fala em filmes protagonizados por elencos infantis, o ponto mais importante é relacionado à como a criança irá passar os sentimentos sem precisar do recurso das falas para mostrar o que está sentindo e no caso do elenco mirim de Jedo's Dead, esse trabalho é feito com primor. O elenco observa, corre pelo cenário do apartamento, demonstrando ira, tristeza, amor, lembranças boas que tiveram com seu querido avô; tudo isso num espaço curto de tempo.

Vemos também não um conflito, mas uma casa que possui duas crenças: Enquanto a irmã caçula reza para a santa católica no altar de sua a avó, o irmão mais velho segue com seus rituais tradicionais não ocidentais, eventualmente levando sua irmã ao seu lado para que ela declame os cânticos. É aquela fase do luto onde os indivíduos buscam por resposta ou acalento frente à morte, em cenas muito bem filmadas e apresentadas ao público.

Na trama, ambos passaram por um trauma recente, tanto o 11 de setembro, quanto a perda de seu avô, então se para adultos nesse cenário é algo muito difícil de lidar, para crianças, é ainda mais. Fica a pergunta, o que fazer a partir de agora? Como seguir em frente? Essas são as perguntas que a dupla terá que responder e descobrir com os anos. 

NOTA: 9/10

Por Victoria Hope

No aterrorizante curta 'Apotemofilia' de Jano Pita, é noite de estreia, o teatro está lotado e Clara, a atriz principal, se recusa a sair do camarim. Algo dentro dela a impede de partir, algo que ela terá que enfrentar.

O curta de terror faz jus ao nome, já que cientificamente falando, 'Apotemofilia' é uma parafilia da vida real onde as pessoas se sentem excitadas com a ideia de perder membros do corpo por meio de amputação e com Clara, a protagonista da história, a audiência pode acompanhar de perto. 

Na trama, pouco a pouco, Clara vai perdendo a sanidade e começa a imaginar uma estranha criatura andar por seu corpo e quer se livras dela de qualquer forma, nem que para isso ela precise cortar partes do corpo. No início, o que a traz dor e medo, logo dá lugar à uma sensação indescritível de prazer que a protagonista sente enquanto se liberta do 'bicho', mas é claro que tudo faz parte de sua imaginação fértil.

Vejo essa história como uma anedota sobre a dismorfia corporal criada pelo universo do show business e do entretenimento, afinal, desde a cena inicial, Clara não parece que está muito animada para o show, enquanto seus produtores gritam com ela do outro lado da porta do camarim. Talvez tudo o que Clara queria, de forma meio torta, era se libertar daquela prisão que a indústria à impunha. Nessa alegoria, talvez se ela tirasse partes de si mesma para se tornar algo que ela não é, a indústria finalmente parasse de pressioná-la.

NOTA: 9/10

 

Por Victoria Hope

Inspirado nas viagens de Derrick B. Harden à Bulgária, 'The Black Sea' é a jornada transformadora de um homem que encontra conexões inesperadas em uma pequena cidade costeira do Leste Europeu, mesmo quando se descobre ser a única pessoa negra por perto.

Khalid, um grande sonhador carismático do Brooklyn, sem acompanhamento, fica preso em uma pequena cidade no Mar Negro depois de perseguir uma oportunidade de dinheiro que dá errado. Sendo o único negro da cidade, ele rapidamente se torna o centro das atenções da cidade. Seu bop de rua em Nova York é tudo que ele tem para sobreviver. Em sua busca para voltar para casa, ele encontra uma conexão que nunca imaginou com uma mulher local. Juntos eles tornam seus pequenos sonhos grandes.

The Black Sea é um filme calmo, tranquilo, apesar de alguns poucos momentos de tensão em que o protagonista se depara encarando. É aquele slowburn não linear que acontece sem pressa, com pequenas fagulhas enquanto acompanhamos esse homem se conectar com uma comunidade que não tem absolutamente nada a ver com sua cultura original, mas ainda sim, prova que é possível se conectar de forma profunda, mesmo com a 'barreira da língua'.

Algumas das cenas mais emocionantes do longa sequer possuem diálogos; afinal, tudo é conectado nesse momento por olhares e gestos, como por exemplo, a 'dança' na lama onde os personagens se comunicam apenas com os olhos, de forma doce, como dois cúmplices. 

O longa não tenta reinventar a roda, mas traz uma mensagem importante sobre união e a importância de sabermos que ninguém está verdadeiramente sozinho no mundo e que onde quer que estejamos, podemos nos conectar através da empatia, do amor e do desejo de evoluírmos e deixarmos o passado para trás, assim como Khalid.

NOTA: 8.5/10

 

Por Victoria Hope

Um show dentro de um show afiado e inteligente, Bettendorf Talks é ao mesmo tempo uma comédia espirituosa no local de trabalho e o mais novo (e mais improvável) talk show local lançado no centro-oeste Quad City. Apresentado pela dupla de comédia T.J. Jagodowski e David Pasquesi (que estrelam como caricaturas hilariantes de si mesmos), os dois tentam montar um show de sucesso em busca de um pedaço de sua antiga glória.

Cada episódio segue nosso conjunto durante um dia de escrita, produção e exibição de nosso programa como T.J. e Dave lutam para saber como viver nessas novas funções menores, a equipe ao seu redor lida com T.J. & Dave e Margaret lutam para manter o show porque está sempre a um dia de ser cancelado.

O humor da série é bem diferente do que estamos acostumados a ver em séries do mesmo gênero, mas enquanto assistia, os personagens não pareciam ser familiares, tampouco interessantes ao ponto de me fazer pessoalmente querer assistir mais de uma temporada e o agravante vem quando nenhuma das piadas ou humor atingem o objetivo principal, que é ser engraçado, mesmo com um humor mais seco.

Apesar da trama criativa, acho que se a audiência pudesse passar um pouco mais de tempo com cada um dos personagens no piloto, provavelmente a audiência iria se relacionar melhor com esses personagens, porém acho que o humor, que é o principal foco, deveria ser mais trabalhado. Alguns personagens se destacam na trama, mas os principais, não e foi isso que me tirou da imersão da série. 

NOTA:  7/10

 

Por Victoria Hope

Quando os irmãos afastados Joseph e Sidney Rendezvous em uma lanchonete local depois de um Assalto de perto, eles o levam a uma fazenda abandonada que os transporta para um tempo diferente para escapar da polícia local. A fuga deles é descarrilada quando uma força metafísica desconhecida e enigmática emerge e os bloqueia de retornar lar. 

Preso no enredo intrigante de terra, seu captor deixa claro que ninguém pode partir até que suas exigências mortais sejam atendidas. O que resulta de seu aprisionamento não apenas dobra as forças do espaço -tempo - forçando os dois a questionar tudo o que sabem sua própria realidade - mas dobra os laços familiares de Joe e Sid além do ponto de confiança e perdão.

Michael Felker faz sua estréia através deste thriller de ficção científica com doses sombrias de horror e suspense. As coisas serão diferentes é um quebra -cabeça trágico de um filme onde tempo, sangue e isolamento estimulam ciclos intermináveis ​​de falsa esperança e condenação desespero.

Things Will be Different / Foto: XYZ

O filme é um prato cheio para quem é apaixonado por temas relacionados à ficção científica, viagem no tempo e relações familiares.  E sendo uma pessoa que tem um irmão gêmeo, que mora em outro país, do outro lado do mundo, foi muito fácil me identificar com os protagonistas do filme e com essa trama de certa forma. 

A atmosfera sombria que assola essa família vai ganhando forma aos poucos e a tensão entre os irmãos começa a se tornar nítida conforme o tempo passa em seu esconderijo secreto. Esse é um filme que requer paciência e atenção aos mínimos detalhes pois é um slowburn que vai se construindo não apenas de acordo com a construção desse universo, mas também a cada diálogo trocado entre os personagens.

O elenco, composto majoritariamente por Riley Dandy e Adam David Thompson, tem uma excelente química, que faz com que os personagens passem verdade sobre seu relacionamento e e a melhor parte é que a trama não entrega tudo sobre as motivações dos personagens, tampouco dá a resposta sobre o que aconteceu ou está acontecendo logo de cara, não, muito pelo contrário, o filme faz a audiência trabalhar e pensar nas possíveis ramificações que a história tem a oferecer.  O final deixa a audiência com aquela sensação de 'e se?' 

NOTA: 9/10

 

Por Victoria Hope

Numa América pós-colapso económico, uma mulher (Anna Camp) viaja sozinha em direção à promessa de uma cúpula utópica no horizonte. Quando ela negocia uma carona com estranhos, aprendemos... não confiar em ninguém no caminho para o Neo-Dome.

Nesse piloto de série que teve seu lançamento no festival SXSW, podemos acompanhar uma história extremamente intrigante que merece ganhar um longa metragem. Logo na cena de abertura, o público se depara com uma protagonista enigmática, que parece esconder algo que não sabemos.

O elenco tem excelente química e a dinâmica de jogo do 'gato e rato' funciona muito bem. Nos deparamos com diversas dúvidas sobre o que é o Neo-Dome, o motivo pelo qual nossa protagonista quer tanto chegar lá e porque ela tem acesso à armas. Seria ela a heroína daquele futuro não tão distante ou será ela o verdadeiro algoz por trás de tudo.

Anna Camp é enigmática e demanda atenção do público com olhares, fazendo com que a audiência imediatamente torça por ela, sem mesmo saber quais são suas verdadeiras intenções, o que realmente reforça a ideia de que o filme realmente se torne um longa metragem, pois é impossível terminar esse curta sem querer saber o que vem a seguir.

O protagonismo feminino em histórias nesse cenário precisava de um revival e Neo-Dome demonstrou que tem um grande potencial para expandir esse universo, seja no formato de filme ou série televisiva, mas independente da proposta, a audiência estará com olhos fixados na tela. 

NOTA: 9/10