Por Victoria Hope

Consagrado como o grande vencedor do Festival de Gramado 2025, o suspense “Cinco Tipos de Medo” está oficialmente na disputa para representar o Brasil na categoria de Melhor Filme Internacional no Oscar 2027. Dirigido e roteirizado por Bruno Bini, o longa integra a lista dos 15 títulos divulgada pela Academia Brasileira de Cinema nesta segunda-feira (24).

A próxima etapa do processo será o anúncio da shortlist, previsto para 9 de setembro. O filme escolhido para representar oficialmente o Brasil será revelado no dia 16. 

Inspirado em histórias reais, o filme acompanha cinco personagens cujos destinos se cruzam em diferentes cenários de Cuiabá, capital de Mato Grosso. Combinando drama, ação e suspense, a narrativa mostra como decisões individuais, atravessadas pelo medo, pela violência e pelo instinto de sobrevivência, desencadeiam consequências capazes de transformar para sempre a vida de todos ao redor.

O elenco reúne Bella Campos, João Vitor Silva, Xamã, Bárbara Colen, Rui Ricardo Diaz e Rejane Farias. Por sua atuação no longa, Xamã recebeu o Kikito de Melhor Ator Coadjuvante no Festival de Gramado. O filme conquistou ainda os prêmios de Melhor Longa-Metragem Brasileiro, Melhor Roteiro e Melhor Montagem, encerrando a edição de 2025 como o grande vencedor do festival.

A trajetória iniciada em Gramado rapidamente ultrapassou as fronteiras brasileiras. “Cinco Tipos de Medo” passou a circular por festivais e eventos internacionais em cidades como Paris, Barcelona, Chicago e Havana, despertando o interesse de profissionais da indústria e fortalecendo sua presença no mercado internacional, especialmente nos Estados Unidos.

 

Por Victoria Hope

Sing Sing, estrelado por Colman Domingo, é inspirado em um emocionante projeto da vida real que utiliza as artes, principalmente o teatro, como forma de reabilitação para detentos da prisão de Sing Sing nos Estados Unidos.

Na trama, acompanhamos a história de um personagem da vida real, chamado John Divine G (Colman Domingo), que é um dos detentos e também diretor e idealizador do projeto teatral para outros prisioneiros. Além de ser escritor e roteirista das peças, John, também é ator e antes mesmo de ser encarceirado, era advogado. 

Esse é um daqueles filmes inspiradores, que deixam o coração quentinho com otimismo ao lembrar que a arte tem papel fundamental na cura, mas um dos principais destaques definitivamente é a performance de Colman Domingo, que merecidamente, concorre ao Oscar de Melhor Ator por esse mesmo papel.

O longa acerta pela simplicidade, mostrando o dia a dia dos encarceirados e passando, mesmo que de forma bem rápida pela vida de pelo menos dois ou três detentos. Talvez essa falta de profundidade em explorar a vida dos outros detentos seja um dos poucos pontos que deixa a desejar, mas ao menos o público consegue se conectar com todos.

Sing Sing / Foto: Diamond Films & A24

Basicamente todo o elenco, a não ser por Colman Domingo e Paul Raci, é composto por pessoas da vida real, ex-encarceirados de Sing Sing e de outras prisões americanas, que também fizeram parte desse programa social de teatro nos presídios.

Sing Sing acerta ao trazer humanidade aos encarceirados, sem cair em armadilhas fáceis do melodrama, apesar do longa conseguir arrancar uma lágrima aqui e outra ali. Todos os personagens são extremamente cativantes, únicos e fazdem um excelente trabalho em dirigir a produção para um caminho mais otimista, que preza pela mudança através do amor e não através da violência.

Alguns dos momentos mais emocionantes, ficam por conta de toda a desconstrução da masculinidade tóxica que o programa social tenta desmantelar. Muito ali é desconstruído; desde as crenças principais dos encarceirados, mostrando que eles são mais do que seus crimes, bem como também o conceito de que as pessoas não mudam, afinal, todos são capazes de mudar de vida e é isso que o programa de reabilitação promove. Esse é um filme para assistir com a família, se inspirar, refletir e ter a certeza de que dias melhores virão, mesmo que leve tempo para mudanças reais realmente acontecerem. 

NOTA: 8.5/10

 

Por Victoria Hope

"Conclave", o mais novo filme de Edward Berger, venceu o Globo de Ouro recentemente na categoria de Melhor Roteiro e a cada hora que passa, é nítido o quão merecedora do título é essa adaptação que faz com que a audiência prenda a respiração e finque as unhas nas poltronas com tanta tensão no ar.

A trama gira em torno do Cardeal Thomas (Ralph Fiennes), que recebe o enorme fardo de organizar uma conclave, cerimônia de escolha do próximo papa, após a morte repentina do sucessor. Ao longo da história, revelam-se segredos sobre os cardeais participantes e até mesmo sobre a própria igreja, com uma revelação que promete abalar as estruturas da instituição milenar.

Com uma excelente fotografia, atuações impecáveis, figurino majestoso e um roteiro de tirar o fôlego, Conclave é sem dúvida um dos maiores filmes dessa temporada e um thriller político voraz, que nos relembra de todo o peso e importância de clássicos como "O Nome da Rosa", afinas ambas as obras são tão relevantes hoje quanto eram há anos atrás.

Conclave / Foto: Diamond Films

Torturado por questões existências e tomado por dúvidas quanto a dogmas e até mesmo a seus próprios posicionamentos dentro da igreja, Cardeal Thomas se encontra em meio a muitas intrigas, fofocas e segredos que pouco a pouco vão sendo revelados. 

O filme em nenhum momento tenta ser didático, afinal, o processo real da conclave que realmente acontece no vaticano é guardado a sete chaves, mas tanto o autor do livro quanto o diretor do filme, acertam em trazer à tona muitos relatos vistos em diversas reportagens investigativas que tentam se aprofundar sobre a temática, mesmo que para isso caiam na ficcionalização. 

Conclave é um filme que definitivamente será polêmico entre a grande audiência, justamente por tocar em um tema que diversas vezes é abordado pelo protagonista dessa história, numa reflexão sobre o quanto certezas absolutas podem ser a ruína de todos e o quanto abraçar o passado pode ser perigoso.

Ralph Fiennes entrega uma das maiores performances de sua carreira ao dar vida ao complicado Cardeal, com escolhas extremamente sóbrias em termos de atuação, o que com certeza irá lhe trazer muitas indicações nas próximas temporadas de premiações, porém, outros nomes se destacam ao seu lado, sendo alguns deles, o hilário Stanley Tucci (Cardeal Aldo) junto a Lucian Msamati (Cardeal Joshua), John Lithgow (Cardeal Joseph), Isabella Rossellini (Irmã Agnes) e o magnífico estreante Carlos Diehz, que aqui interpreta o misterioso e pacífico cardeal Vincent.  

Cada cena de Conclave parece uma pintura clássica, mérito da belíssima direção de fotografia do francês Stéphane Fontaine, combinada com o figurino impecável de Lisy Christl, que se atenta a cada pequeno detalhe, tal qual como se ambos criassem juntos as mais belas pinturas renascentistas.

Absolutamente todos os detalhes, desde a iluminação ambiente à um colar posicionado no pescoço e um foco num canto obscuro de uma sala, são milimetricamente pensados para reforçar a mensagem do quão minucioso é o trabalho de todo o corpo de profissionais que atua por trás das paredes do vaticano e o final definitivamente irá deixar muita gente boaqueaberta, mas é extremamente coerente com a narrativa e todos os momentos que levam à essa revelação. Sem dúvida, esse é um filme para ser saboreado, digerido e reassistido muitas vezes. 

NOTA: 9.5/10

Por Victoria Hope

A Universal Pictures revela trailer oficial de O Brutalista, filme já premiado no Festival de Veneza, em 2024, com o prêmio Leão de Prata, e vencedor do Globo de Ouro em três categorias: Melhor Direção (Brady Corbet), Melhor Ator (Adrien Brody) e Melhor Filme (Drama) – após acumular sete indicações à premiação.

O trailer traz vislumbres sobre a vida do arquiteto visionário László Toth (Adrien Brody), recém-fugido da Europa, que chega aos Estados Unidos em busca de reconstruir sua vida por completo, incluindo seu trabalho e principalmente seu casamento, após uma separação forçada. Sozinho em um novo país, encontrará quem reconheça seu talento para a construção, mas o preço disso pode ser alto.

Já exibido na 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, O Brutalista deve chegar aos cinemas brasileiros em 20 de fevereiro.

Sobre o filme:

Em fuga da Europa do pós-guerra, o arquiteto visionário László Toth chega à América para reconstruir sua vida, seu trabalho e o casamento com sua esposa Erzsébet, depois da separação forçada durante a guerra por mudanças de fronteiras e regimes. Sozinho em um novo país estranho, László se estabelece na Pensilvânia, onde o rico e proeminente industrial Harrison Lee Van Buren reconhece seu talento para a construção. Mas poder e legado têm um custo muito alto.

Confira o trailer oficial:

 

Por Victoria Hope

Quando se fala em filmes, qualidade do som de uma produção audiovisual impacta diretamente na percepção do espectador e é justamente a supervisão de som trabalha na construção da narrativa sonora de um filme e é claro que essa é uma das categorias técnicas principais da Academia ao longo das premiações. 

Alien: Romulus, considerado um dos maiores filmes de terror de 2024, com direção de Fede Alvarez, atualmente está na shortlist do Oscar 2024 em diversas categorias, dentre elas, Melhor Som, que fica por conta da equipe supervisionada pelo brilhante Will Files.

Nossa equipe teve a oportunidade de bater um papo com Will e conhecer um pouco mais sobre a área de supervisão de som e sobre a carreira dele, que já esteve presente em diversos sets de produções que vão desde "Stranger Things" a "Batman (2024)", "Planeta dos Macacos", "Cloverfield" e muito mais. 

Amélie Magazine: Como se sente em fazer parte da shortlist do Oscar na categoria de Melhor Som por um filme tão fantástico quanto Alien Romulus?

Will: É incrível! Eu sei que é praxe as pessoas falarem que é uma honra só em estar indicado, mas de verdade, isso é muito incrível fazer parte da shortlist, mas falando sério, sendo indicado ou vencendo, isso é uma benção da comunidade que ama filmes de qualquer forma. 

É muito bom receber esse tipo de reconhecimento pelo nosso trabalho e também foi muto incrível ver os outros filmes que também estão na lista, porque são filmaços!

Amélie Magazine: Ainda sobre a indicação. Vamos imaginar que você pode viajar pro passado e contar para o pequeno Will que você está concorrendo a um Oscar. Qual será a reação dele?

Will: *risos* Ele jamais imaginaria que concorreria a um Oscar um dia! Mas para ele, o Oscar não seria a parte que ele ficaria encantado, mas sim o fato de eu ter trabalhado em Alien! Na realidade, se há alguns anos atrás você tivesse me falado que eu estaria trabalhando na franquia, principalmente em um filme do Alien que restaura o legado dessa obra, eu não acreditaria. 

Trabalhar com essa estética principalmente, foi muito importante e eu confesso que ainda estou me beliscando *risos*. Estou muito orgulhoso e feliz em fazer parte disso e sei que o Will mais novo também estaria.

Amélie Magazine: Como fã da franquia Alien, você tem algum favorito e se sim, seria algum dos clássicos ou esse mais recente tem um lugar especial, por ser o primeiro onde trabalhou? 

Will: Eu disse isso pro Fede e se você for perguntar pro Fede, tenho certeza que a reposta dele seria a mesma, então Alien 1, Alien 2 e Romulus! Claro que esse é o caso porque crescemos com esses dois primeiros, mas eu espero que as pessoas jovens que estão assistindo agora, talvez sintam o mesmo que a gente sentiu pelos primeiros, daqui há 20 anos em relação à Romulus!

É muito difícil não voltar para aquele primeiro filme, porque ele é tão profundamente inspirador para mim e aliás, continua inspirador. Eu e minha equipe falamos bastante dele, principalmente sobre o ponto de vista do design de som excelente, mas não apenas isso, também sobre ser um filme corajoso que tomou diversos riscos e por ser também um projeto onde fizeram escolhas criativas muito brilhantes, então ter a oportunidade de trazer algumas coisas de lá e aplicar no novo filme, foi uma alegria imensa.

Alien Romulus / Foto: 20th Century Studios

Amélie Magazine: Como é o seu processo criativo quando vai começar a trabalhar no design de som de um novo projeto?

Will: A primeira coisa que eu faço é assistir filmes, honestamente. E nesse caso, as escolhas eram óbvias *risos*, é sempre muito útil. Eu também coloco a trilha sonora pra tocar e fiz muito isso enquanto estava dirigindo por Los Angeles, tentando absorver e viver naquele universo, o que é sempre muito útil nessa parte do processo criativo, mas essencialmente, é como uma tela branca, pois você começa a imaginar cenários e sons que caberiam no próximo projeto.

Mas é claro que em Romulus, tivemos muitas conversas com Fede, principalmente antes mesmo dele começar as filmagens do longa, então tivemos a chance de fazer esse brainstorm de ideias para os sons antes mesmo da gravação e ele também nos pediu para fazermos alguns sons ao vivo no set, ou seja, começamos esse filme muito antes do filme em si começar a ser criado.

Falamos sobre momentos chave do filme em termos de sons importantes, falamos sobre como queríamos que fosse a atmosfera no set, inclusive, ele queria que as pessoas realmente entrassem ali e que o som fosse bem alto e que a voz dos atores fosse mais alta para conflitar com o som e passar ainda mais realismo ao ambiente. 

Ele ajudou em todo esse processo, então fizemos um monte de sons baseados em artes conceituais que ele nos enviou e no roteiro também. Basicamente tivemos que fazer sons do espaço, maquinário, ar soprando dos dutos e tudo mais que ele descrevia. 

Tudo estava bem alto, então os atores realmente tiveram essa imersão no ambiente através do som e do design do set e o mais legal foi que a equipe deixava os sons altos antes de começarem a gravar as cenas para que os atores mantivessem a energia lá no alto e assim que a câmera começava a rolar, aí o som ficava mais baixinho, mas não a voz dos atores e isso funcionou bem.

Alien Romulus / Foto: 20th Century Fox

Amélie Magazine: Três trilhas sonoras de filmes que mudaram sua vida.

Will: Eu diria Alien *risos*, mas sério, eu falaria isso mesmo, porque é tão inovador e original! Eles pegaram muitos conceitos de Star Wars em termos de design de som e foram ainda mais além, colocando sons estranhos e inesperados que funcionam bem no sci-fi, então isso é muito inspirador, principalmente com o uso minimalista da trilha sonora.

O próximo com certeza é O Iluminado. Esse é bem importante pra mim, pois a forma em que Kubrik, combinava música e ausência de som, da mesma forma que usava ausência de som com música; todas essas escolhas sutis, são justamente o que fazem esse filme ser tão assustador e efetivo.

E o terceiro seria Clube da Luta. Eu queria ter dito Se7en - Os Sete Crimes Capitais, mas vou dizer Clube da Luta. Ele é completamente imersivo em termos do uso de som como textura; tipo, está sempre chovendo, tem gotas caindo, tudo tem uma tangibilidade muito real.

Os dois filmes na realidade são deliciosos de se ouvir, tão texturizados e ainda assim  com escolhas de som muito elegantes e de bom gosto, principalmente porque sou fã quando mexem com diferentes texturas do som.

Alien Romulus / Foto: 20th Century Fox

Amélie Magazine: Será que podemos falar sobre aquela cena icônica do novo híbrido de Alien Romulus? Como foi o processo da criação de som para aquele momento que fez gelar nossas espinhas?

Will: Sim, aquela foi uma cena muito interessante de construir em termos de trilha sonora! Muitas vezes você vê uma cena e tem certa ideia de como ela vai soar e com Fede sendo uma pessoa tão criativa no estilo de direção dele, geralmente tem uma ideia muito clara do que ele quer ver em cada momento em termos de sons também e juro, nenhum de nós sabia como deveríamos proceder com essa cena *risos*, ou seja, tudo o que sabíamos é que queríamos um som que parecesse completamente deslocado do resto do filme, para trazer aquela estranheza, então o compositor Benjamin Wallfisch, também teve o mesmo processo criativo para a música.

O filme inteiro é bem sinfônico e lírico, melodicamente falando até aquele ponto, mas aí quando essa cena começa, tudo é muito sensorial, minimalista, estranho, com muita percussão, para trazer um certo pânico para a atmosfera. 

Por anos sempre fomos obcecados por um som particular de uma sirene que é tocada apenas no trailer de Alien 1 e estávamos tentados a usar em Romulus e conseguimos colocar essa sirene ali na cena do híbrido, para fazer essa homenagem tentando usar instrumentos diferentes, mas no fim o que usamos mesmo foi um megafone para ampliar o som do ambiente, aí diminuímos a velocidade desse som e mudamos o tom até chegarmos no que queríamos alcançar, que essencialmente era aquela sensação de pavor que o som do primeiro filme traz.

Alien Romulus / Foto: 20th Century Fox

É aquele tipo de som que faz sua pele saltar dos ossos! Tocamos esse som pro Fede e ele disse "É isso! Finalmente conseguimos! Vamos usar essa sirene na trilha junto com um som de pulsação, vamos tirar toda a linha do que é real e o que não é e vamos fazer o público perceber isso!"

E assim que ele me deu esse conselho, era como se eu finalmente tivesse me libertado. Isso foi o que me ajudou a criar essa cena, que pouco a pouco, foi tomando cada vez mais forma, mas aí quando achamos que já estava tudo terminado, no momento em que a criatura aparece, ele queria que tirássemos todos os sons a não ser pela sirene e pela respiração da criatura. É um dos meus momentos favoritos do filme de se assistir com o público, porque você tira todo aquele conforto do som familiar e deixa apenas a criatura em destaque no momento! 

Você olha para aquela criatura horrenda e a audiência toda simplesmente fica sem ar! É algo que eu gostei muito de ver! Muitos palavrões foram ditos na sala do cinema nesse momento *risos* É um momento realmente único, onde o foco é apenas a criatura e o horror que ela proporciona.

 

Por Victoria Hope

"Ainda Estou Aqui" é um dos filmes mais emocionantes do ano. Começo essa crítica de forma rara, já consagrando esse como um dos longas metragens mais importantes na história do cinema brasileiro, tanto pela questão histórica e política quanto pelo trabalho impecável do elenco, incluindo Fernanda Torres, em uma performance que merece indicação ao Oscar ao lado do igualmente excelente Selton Mello e grande elenco.

Na trama adaptada do livro de mesmo nome escrito por Marcelo Rubens Paiva, filho de Rubens Paiva e Eunice Paiva, que são os protagonistas dessa história, acompanhamos a vida do ex-deputado com sua esposa e seus vários filhos durante a chegada da ditadura no Brasil.

O filme toca numa ferida recente na história do país e vem no momento mais oportuno para nos lembrarmos de um passado que muitos tentam apagar ou fingem que nunca existiu. "Ainda Estou Aqui", é uma carta de amor à mulheres fortes como Eunice, que mesmo não tendo escolha a não ser ter força por si mesma e por seus filhos, nunca perdeu as esperanças em encontrar seu marido, que foi sequestrado e consequentemente teve sua vida tirada.

Ainda Estou Aqui / Foto: Sony Pictures

A ambientação e a escolha da trilha sonora também são dois pontos altos do filme; é nítida a pesquisa muito bem trabalhada pela equipe de produção, levando em conta todos os cuidados que tiveram com figurinos, veículos em cena e ambientes, todos minuciosamente detalhados para que os anos 70 fossem representados da forma mais correta possível.

Uma trilha sonora envolvente amarra todas as cenas, trazendo diversas mensagens, hora subliminares hora completamente claras para que o público entendesse o que estava acontecendo naquele momento da história.

A violência não é mostrada de forma aberta, porém, esse é um filme muito forte e que usa da ambientação e dos sons para construir essa atmosfera aterradora, sombria, que faz gelar a espinha só de pensarmos que esse período aconteceu na vida real; período esse que jamais pode ser esquecido e que precisa sim ser revisitado quantas vezes necessário para que não aja revisionismo.

Ainda Estou Aqui / Foto: Sony Pictures

É impossível assistir a esse filme sem tocar em uma história pessoal, pois minha avó, Wilma Veridiana, faleceu esse ano de demência e não apenas foi uma figura de empoderamento na família no passado, bem como sempre contou histórias desse momento obscuro da ditadura no Brasil.

Dito isso, "Ainda Estou Aqui' convida à audiência a não tratar o tema como um tabu, mas sim como uma história que precisa ser revisitada, contada de geração para geração e jamais esquecida. Esse é o tipo de filme que daqui há anos continuará sendo aclamado e que posso apenas torcer para que receba o respeito e aplausos que merece.

Mas não se engane,  pois esse é um filme pesado apesar de não demonstrar violência física; é um tipo de longa metragem que faz as entranhas queimarem, os olhos ficarem marejados e o coração acelerar com a vontade de ver um mundo melhor, para que a gente não esqueça jamais de toda a luta daqueles que nos deixaram, mas que ainda assim, batalharam até o fim em prol de um Brasil melhor para todos. 

Nota: 9.5/10

 

Por Gabriella Medeiros

Todos nós já assistimos algum desses. Um filme, uma série. Os nazistas representados como vilões de cartoon, grandes caras malvados, saindo direto das páginas de um gibi, mas em Zona de Interesse, não. O mais novo filme da A24 tem 5 indicações ao Oscar desse ano, incluindo as categorias de Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Som, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Filme Internacional, todas devidamente merecidas, vale ressaltar.

Os Hoss, em Zona de Interesse, são só... Pessoas comuns e esse é o maior destaque do filme. Na trama, acompanhamos uma família composta pelo marido, esposa, filhos e empregados da casa que vive sua vida de maneira aparentemente comum à primeira vista. 

Eles poderiam ser uma família normal, se não fosse o fato de Rudolf Hoss ser  um comandante nazista, que mora com sua família ao lado de Auschwitz. O filme te poupa do óbvio. Ele não está ali pra te explicar o que está acontecendo, o motivo pelo qual a guerra existe ou que os nazistas são malvados.

Zona de Interesse / Foto: A24

O filme trás... normalidade. E é exatamente isso que te mantém na ponta da cadeira durante sua duração. Não existem grandes vilões de desenho ou terríveis bruxas más. Somente pessoas. As mesmas que aceitaram o massacre de milhões de outras pessoas, para beneficio próprio.

Zona de Interesse nos leva a acontecimentos simples da vida dos mesmos. Aniversários. Visitas. Idas a escola. O contraste entre o lindo jardim florido da grande casa, com o muro do campo de concentração, ao fundo, só não supera o trabalho do som e fotografia, que elevam o filme a um novo patamar.

Seja numa bela cena de flores, onde podemos ouvir os gritos e sons pavorosos do outro lado do muro, ou a constante lembrança dos horrores, quando o lindo céu é tomado por uma nuvem de fumaça, vindo dos crematórios.

Zona de Interesse / Foto: A24

Tudo isso, sem nenhuma cena terrivelmente explícita. Sem sequer vermos o lado de dentro do muro, por grande parte do filme. E quanto isso acontece, definitivamente, é mais doloroso de assistir do que qualquer outra poderia ser.

E a vida deles segue. Preparando crianças para ir a escola, vestindo casacos roubados de mulheres judias. Brincando com cachorros e falando sobre flores, enquanto ouvimos pessoas sendo executadas ao fundo.

Numa cena, o protagonista aparece bravo após alguém destruir um arbusto de flores. Em outra, ele para na rua, pra brincar com um lindo cachorrinho. A constante lembrança da desumanização. Uma flor, mais importante que milhares de pessoas. Uma linda casa com piscina, fazendo com que o fato de que milhões estão sendo dizimados não importe.

Definitivamente, esse é um filme que vai ser lembrado pela coragem de mostrar, que no final, os monstros muitas vezes são só... pessoas.

NOTA: 10/10

 

Por Victoria Hope

Destaque em Os Rejeitados, longa indicado ao Oscar de Melhor Filme, Da'Vine Joy Randolph estrela a produção como a cozinheira Mary Lamb, que após perder o filho na guerra do Vietnã, se vê pela primeira vez sozinha nas festas de final de ano. Vencedora do Globo de Ouro e demais premiações do gênero por sua performance, também conquistou a indicação ao Oscar em Melhor Atriz Coadjuvante, sendo sua primeira indicação ao prêmio.

“A personagem oferece o sal com o doce, o remédio com o açúcar. É linda neste filme a maneira como ela transcende o etarismo, o racismo e as questões de gênero”, destaca a atriz que, pela primeira vez, trabalha com o diretor Alexander Payne. “Muitas vezes, ao escalar papéis dramáticos, gosto de ter atores com talento cômico, porque eles vão expressar as emoções sem pender para o sombrio. Os atores cômicos têm uma percepção de ritmo que mantêm as vibrações em alto astral sem baratear as emoções. Em Meu Nome é Dolemite, Da'Vine está tão atraente e engraçada que eu já estava muito bem impressionado. Quando nos encontramos e falamos sobre a personagem, eu me apaixonei por ela”, revela o cineasta.

Os Rejeitados segue em cartaz nos cinemas, também em versões acessíveis. Do premiado diretor Alexander Payne, Os Rejeitados acompanha a desventura de um professor mal-humorado (Paul Giamatti) de uma prestigiada escola americana, forçado a permanecer no campus para cuidar do grupo de alunos que não tem para onde ir durante as férias de Natal. Ele acaba criando um vínculo improvável com um deles - um encrenqueiro magoado e muito inteligente (o estreante Dominic Sessa) - e com a cozinheira-chefe da escola, que acaba de perder um filho no Vietnã (Da'Vine Joy Randolph)

 

Por Victoria Hope

Anatomia de Uma Queda, Vencedor da Palma de Ouro em Cannes e provavelmente, futuro Indicado ao Oscar de Melhor Filme Internacional, é um dos meus longas mais antecipados do ano e com razão. Nesse novo drama francês da magnífica Justine Triet, acompanhamos a história de uma escritora que precisa provar sua inocência após a misteriosa morte de seu marido. 

Essa não é a primeira vez que uma história investigativa é mostrada nos cinemas, mas Triet conseguiu subverter o gênero, trazendo o outro lado do processo de investigação criminal, mesclando narrativas de testemunhas, gravações misteriosas e um olhar mais amplo sobre o processo de estudo da equipe de legistas que estão cuidando do caso.

Sandra Hüller é uma força da natureza interpretando essa complicada protagonista e entrega momentos que com certeza vão trazer uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz, mas falando sobre elenco, Anatomia de Uma Queda entrega um verdadeiro banquete, desde as mãos de Milo Machado, ator mirim brilhante que entrega alguns dos momentos mais emocionantes no papel de Daniel, filho da escritora até mesmo todo o elenco de advogados e por quê não, o próprio cachorro, que é condutor da história de certa forma?

Anatomia de uma Queda / Foto: Diamond Films

A todo o momento o filme subverte o gênero e surpreende, fazendo com que a audiência desconfie até d das próprias conclusões. Anatomia de uma Queda não dá respostas, mas sim possibilidades apenas do que pode ter acontecido com aquela família.

Sandra tinha todos os motivos para querer acabar com a vida do marido, ao mesmo tempo em que o marido, tomado pela culpa do acidente que aconteceu com Daniel no passado, tinha todos os motivos do mundo também para tentar acabar com tudo, inclusive com sua própria vida. E afinal, qual é a conclusão? A audiência se encontra nos calçados do próprio menino, confuso com quem fez ou não fez o que entre seus pais.

Além da direção de fotografia impecável, atuações brilhantes, uma trilha tensa e dramática na medida certa, Anatomia de uma Queda apresenta um dos roteiros mais originais da última década, combinado com uma das melhores direções do ano. Vale a pena conferir e reassistir para pegar cada detalhe minucioso.

NOTA: 9/10

 

Por Victoria Hope

[TW: Aliciamento de menores] 

Segredos de um Escândalo (May December), foi um dos filmes mais aguardados na lista de Cannes do ano passado e ainda em 2024, é um dos filmes mais esperados por fãs de cinema e com muita razão. Na trama, levemente baseada numa história real, vinte anos após seu romance midiático virar assunto da nação, um casal é colocado sob pressão quando uma atriz viaja até seu lar para se preparar para um filme sobre o passado deles.

O tema é polêmico do início ao fim, principalmente acerca da trama que aborda temas como pedofilia e aliciamento de menores, como foi o caso da vítima da história, Joe, interpretado de forma brilhante por Charles Melton. Acompanhamos então a aparentemente 'perfeita', mas na verdade, conturbada com Grace Atherton, praticamente desmoronar quando a atriz Elizabeth Berry toma conta da história da família com a desculpa de que esse é um 'laboratório' para seu próximo papel.

Inicialmente, o que parecia ser um desejo por contra a verdade, ao longo da trama vai mostrando o desejo cruel e reprimido da atriz de reviver tudo o que seu objeto de estudo, Grace, sente. Apesar do roteiro que deixa um tanto a desejar, as atuações de Natalie Portman, Julianne Moore e Charles Melton simplesmente tornam o filme uma verdadeira gema.

Segredos de um Escândalo / Foto: Diamond Films

Ao passo em que conhecemos mais sobre Grace e sua família, mais sentimos pela situação que se instaura, o que nos faz pensar o peso de filmes biográficos sobre casos de crime reais. Como a família, os amigos e conhecidos dos criminosos lidam com a situação? Há redenção? E por quê contar a história dessa personagem é tão importante?

Estas são apenas algumas das questões muito bem levantadas pelo filme, que explora como uma tragédia pode afetar pra sempre as relações delicadas entre um indivíduo e seu núcleo, mas Segredos de um Escândalo vai além da 'crítica', pelo objeto de estudo, tocando também em outra mensagem sobre a falta de escrúpulos de atores que podem, sem querer, ou as vezes intencionalmente, abalar estruturas que já são tão delicadas e frágeis desde o início e é por isso que esse é um dos papéis mais fortes de Portman.

Após a indicação ao Globo de Ouro, sem dúvida veremos pelo menos mais uma indicação ao Oscar, pelo menos na categoria de Melhor Atriz para Natalie Portman, pelo menos esse é o palpite de muitos que assistiram o filme nessa quinta. Apesar de ser um filme denso, que aborda um tema bem pesado, é um filme que quem é apaixonado por cinema, com certeza vai querer conferir.

NOTA: 9/10

 

Por Victoria Hope

O Oscar dessa noite foi mais histórico que nunca, pois além de premiar Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo nas principais 7 categorias, fazendo com que o filme se tornasse o mais premiado da história do cinema, o filme também teve a vitória de Michelle Yeoh na Categoria de Melhor Atriz, o que a consagrou como primeira atriz asiática na história a vencer esse prêmio.  

Já o segundo grande vencedor foi Nada de Novo no Front, que já havia dominado os BAFTAS e agora, venceu quatro estatuetas do Oscar.  Para a surpresa de muitos, os grandes filmes que causaram burburinho em toda a temporada, sendo eles Elvis, Tár, Os Banshees de Inisherin, Os Fabelmans e até mesmo Babilônia, não levaram absolutamente nada para casa.

Mas é claro que a noite do Oscar sem polêmicas não é noite do Oscar, pois, além da gafe vergonhosa pela falta de homenagens póstumas à Charlbi Dean, estrela de Triângulo da Tristeza, que faleceu ano passado e Kevin Conroy, voz marcante por trás Batman: The  Animated Series, a vitória de Jamie Lee Curtis também deixou um gosto amargo na boca da imprensa e convidados, incluindo Michael B. Jordan e Jonathan Majors, que não deixaram de fazer uma pequena homenagem a Angela Basset, por ter perdido a categoria de Melhor Atriz Coadjuvante para Jamie. 

Nada de Novo no Front foi o segundo maior vencedor da noite 

CONFIRA A LISTA COMPLETA DE VENCEDORES:

Melhor filme

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo 

Melhor direção

Daniel Kwan e Daniel Scheinert (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

Melhor ator 

Brendan Fraser (A Baleia)

Melhor atriz

Michelle Yeoh (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

Melhor atriz coadjuvante

Jamie Lee Curtis (Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo) 

Melhor ator coadjuvante

Ke Huy Quan (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

Melhor filme internacional

Nada de Novo no Front (Alemanha)

Melhor roteiro original

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo

Melhor roteiro adaptado

Entre Mulheres 

Melhor fotografia

Nada de Novo no Front 

Melhor figurino

Pantera Negra - Wakanda Para Sempre 

Melhor montagem

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo

Melhor cabelo e maquiagem

A Baleia 

Melhor design de produção

Nada de Novo no Front

Melhor trilha sonora original

Nada de Novo no Front

Melhor canção original

Naatu Naatu (RRR)

Melhor som

Top Gun – Maverick 

Melhores efeitos visuais

Avatar: O Caminho da Água

Melhor animação em longa metragem

Pinóquio de Guillermo del Toro

Melhor documentário em longa -metragem

Navalny

Melhor animação em curta-metragem

O Menino, a Toupeira, a Raposa e o Cavalo

Melhor documentário em curta-metragem

Como Cuidar de um Bebê Elefante 

Melhor curta-metragem 

An Irish Goodbye

Por Victoria Hope

Está chegando o momento mais aguardado do ano por cinéfilos do mundo inteiro! A TNT e a HBO Max reunirão o público da América Latina em torno da festa anual mais importante do mundo do entretenimento, transmitindo ao vivo a 95ª edição do OSCAR®, que será realizada no dia 12 de março, domingo, a partir das 21h (Brasil), no Dolby® Theatre de Los Angeles. A cobertura completa, comentada por especialistas e analistas, incluirá além da cerimônia acesso especial ao tapete vermelho, entrevistas com as celebridades mais adoradas pelo público e bastidores da festa que ninguém pode perder, tudo isso a partir das 20h (Brasil). Após a transmissão, a cobertura completa estará disponível na HBO Max durante três dias.

Em parceria, a TNT e a HBO Max exibirão um dos momentos mais esperados no mundo da cultura, com a homenagem anual ao cinema e aos criadores das grandes histórias. A cobertura começará às 20h (Brasil), e acontecerá pela primeira vez diretamente do Academy Museum of Motion Pictures, em Los Angeles. A apresentadora oficial da cobertura é a Embaixadora das Premiações TNT,  Ana Furtado, que estará acompanhada do comentarista Michel Arouca, analisando as previsões, os looks glamourosos das celebridades e os detalhes mais exclusivos dessa noite única. 

Além disso, Caroline Ribeiro e Aline Diniz, terão acesso especial ao tapete vermelho em Los Angeles, e comentarão com os artistas indicados toda a emoção da festa. Depois, a cerimônia de premiação contará com tradução ao vivo de Regina McCarthy e Robert Greathouse e a cobertura digital estará sob a responsabilidade de Gabriela Araújo (gabiisteca) para as redes sociais. Esses especialistas garantirão ao público uma experiência completa e imperdível.

Sobre os indicados, vale lembrar que a Warner Bros. Discovery recebeu 14 indicações para cinco produções originais. O filme ELVIS ficou com oito – entre elas as de Melhor Filme e Melhor Ator, para Austin Butler – e BATMAN, com três. Os dois são da Warner Bros. Pictures. Já os documentários ALL THAT BREATHES – da HBO Documentary Films – e NAVALNY – da HBO Max, CNN Films e Warner Bros. Pictures, foram indicados na categoria Melhor Documentário. 

 

Por Victoria Hope

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos Estados Unidos anunciou nessa terça (24) a aguardada lista de indicados ao Oscar 2023, com alguns esnobados que realmente levantaram sobrancelhas, como por exemplo Viola Davis de Woman King, que pela primeira vez em anos ficou de fora da Premiação, além de Nope do Jordan Peele que não concorreu a absolutamente nenhuma categoria e para fechar, Till, o emocionante biopic sobre Emmet Till também ficou de fora, o que não é muito bom, já que esses títulos com foco em narrativas negras foram completamente ignorados e também vale lembrar que o amplamente elogiado 'Decision to Leave' de Park Chan-wok também ficou de fora das indicações. 

Apesar disso, a academia surpreendeu com algumas ótimas indicações, principalmente a primeira oficial de Stephanie Hsu na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante e a DC mais uma vez concorrendo ao Oscar, dessa vez com Batman, que concorre à 2 categorias, Melhor Som / Canção e Melhores Efeitos Visuais. 

Os destaques ficam por conta de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, que teve 11 indicações, Nada de Novo no Front, que foi indicado 9 vezes e Os Banshees de Inisherin, também com 9 indicações.

Melhor atriz

Cate Blanchett (Tár)

Ana de Armas (Blonde)

Andrea Riseborough (To Leslie)

Michelle Williams (Os Fabelmans)

Michelle Yeoh (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

Melhor Filme

Nada de Novo no Front

Avatar: O Caminho da Água

Os Banshees de Inisherin

Elvis

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo

Os Fabelmans

Tár

Top Gun: Maverick

Triângulo da Tristeza

Entre Mulheres

Melhor direção

Martin McDonagh (Os Banshees de Inisherin)

Daniel Kwan e Daniel Scheinert (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

Steven Spielberg (Os Fabelmans)

Todd Field (Tár)

Ruben Östlund (Triângulo da tristeza)

Melhor ator

Colin Farrell (Os Banshees de Inisherin)

Austin Butler (Elvis)

Brendan Fraser (The Whale)

Bill Nighy (Living)

Paul Mescal (Aftersun)

Melhor roteiro original

Os Banshees de Inisherin

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo

Os Fabelmans

TÁR

Triângulo da tristeza

Melhor roteiro adaptado

Nada de Novo no Front

Glass Onion: Um Mistério Knives Out

Living

Top Gun: Maverick

Entre mulheres

Melhor ator coadjuvante

Brendan Gleeson (Os Banshees of Inisherin)

Brian Tyree Henry (Causeway)

Judd Hirsch (Os Fabelmans)

Barry Keoghan (Os Banshees of Inisherin)

Ke Huy Quan (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

Melhor figurino

Babilônia

Pantera Negra: Wakanda para Sempre

Elvis

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo

Sra. Harris Vai a Paris

Melhor curta de animação

The Boy, the Mole, the Fox, and the Horse

The Flying Sailor

Ice Merchants

My Year of Dicks

An Ostrich Told Me the World is Fake, and I Think I Believe It

Melhor curta Live Action

An Irish Goodbye

Ivalu

Le Pupille

Night Ride

The Red Suitcase

Melhor som

Nada de Novo no Front

Avatar: O Caminho da Água

Batman

Elvis

Top Gun: Maverick

Melhor trilha sonora

Nada de Novo no Front

Babilônia

Os Banshees de Inisherin

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo

Os Fabelmans

Melhor atriz coadjuvante

Angela Basset (Pantera Negra: Wakanda para Sempre)

Hong Chau (The Whale)

Kerry Condon (Os Banshees de Inisherin)

Stephanie Hsu (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

Jamie Lee Curtis (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)

 

Por Victoria Hope

Belfast, nova comédia dramática da Universal Pictures, escrita e dirigida pelo indicado ao Oscar Kenneth Branagh, estreia nos cinemas brasileiros amanhã, 10 de março. O filme recebeu sete indicações ao Oscar: Melhor Filme, Melhor Diretor (Kenneth Branagh), Melhor Roteiro Original (Kenneth Branagh), Melhor Atriz Coadjuvante (Judi Dench), Melhor Ator Coadjuvante (Ciarán Hinds), Melhor Som e Melhor Canção Original (Down to Joy).

O filme conta a história bem-humorada, terna e intensamente pessoal da infância de um menino durante o tumulto do final dos anos 1960 na cidade de nascimento de Branagh, Belfast.

“Belfast é uma cidade de histórias e no final dos anos 1960 ela passou por um período incrivelmente tumultuado, muito dramático, às vezes violento, no qual minha família e eu estávamos envolvidos. Parte da história da minha infância, que inspirou o filme, reflete aquele momento na vida de todos quando a criança passa para a idade adulta, onde a inocência é perdida. Na Belfast de 1969, esse ponto de cruzamento foi acelerado pelo tumulto que acontecia ao nosso redor”, explica o diretor.

Belfast estreia em 10 de março nos cinemas de todo o Brasil. Para mais informações sobre a programação do filme, consulte os cinemas de sua cidade.

CONFIRA O TRAILER

 

Por Victoria Hope

Nesse sábado (26), Donald Mowat, o designer canadense de maquiagem e cabelos que concorre ao Oscar  desse ano na categoria de Melhor Maquiagem e Cabelo por 'Duna', participou de uma coletiva internacional para falar um pouco sobre o longa e o processo de criação dos visuais que foram cruciais para contar a história do novo longa de Dennis Villeneuve.

Mowat é um é um dos maquiadores mais requisitados da indústria cinematográfica. Ele atuou como chefe do departamento de maquiagem e design em filmes como The Fighter, 8 Mile, Sicario, O Abutre (Nightcrawler),Prisioneiros, Animais Noturnos (Nocturnal Animals), Stronger, Blade Runner 2049 e como maquiador pessoal para Daniel Craig em Skyfall e Spectre. 

Seus trabalhos recentes incluem o indicado ao Oscar de Melhor filme, Duna (dirigido por Dennis Villeneuve e estrelado por Timotheé Chalamet),  Blade Runner 2049 (dirigido também Dennis Villeneuve e estrelado por Ryan Gosling), First Man (dirigido por Damien Chazelle, estrelado por Ryan Gosling e Claire Foy), The Darkest Minds (dirigido por Jennifer Yuh Nelson, estrelado por Amandla Stenberg) e Velvet Buzzsaw (dirigido por Dan Gilroy, estrelado por Jake Gyllenhaal).

Visual do Barão Harkonnen / Foto: Warner Bros. Pictures

Durante a coletiva, o maquiador traçou um panorama de seus maiores desafios no quesito de maquiagem e cabelo, além de revelar que estará presente também no set de Duna 2. Mowat revelou que se sente muito privilegiado por poder atuar na área por mais de 36 anos e que essa indicação ao Oscar significa algo bem especial em sua carreira, mas que sua felicidade não está na premiação, mas em sim no fato de ainda poder atuar na indústria após tantos anos.

Quanto a evolução da tecnologia da qualidade de filmagens, o diretor confessou que inicialmente, não apenas ele, mais muitos maquiadores estavam receosos, afinal, haviam duas questões com a chegada de tanta tecnologia, sendo a primeira, o uso de CGI, que para muitos profissionais da maquiagem, acaba mudando o trabalho original deles e em segundo lugar, com a qualidade cada vez maior da resolução de câmeras, os profissionais de make e cabelo precisaram evoluir ainda mais, para que as câmeras HD não demonstrassem pequenas falhas nos projetos. 

Donald recebeu inúmeras premiações e reconhecimento por seu trabalho com maquiagem, incluindo o mais recente, sua indicação ao Oscar de Melhor Maquiagem e cabelo por Duna e o Bafta por Blade Runner 2049. Confira nossas perguntas durante a coletiva:

Amélie: Sabemos que sua maior inspiração para os visuais da família Harkonnen em Duna, bebeu de filmes como no visual da Ilha do Doutor Moreau e Apocalipse Now. Com isso em mente, como foi o processo de escolha desses dois longas para a referência?

Donald: Os artistas de storyboard e o Denis, já estavam pensando nos visuais muito antes do roteiro, então eles já tinham algumas ideias e eu sabia que teria algo relacionado a Apocalipse Now, mas eu pensei na Ilha do Doutor Moreau, porque havia algo sobre o Barão que parecia ser diferente, então tivemos que tomar muito cuidado para não fazer fat-shaming (com o personagem). Sentei com Denis quando ele estava fazendo a escalação de elenco e nós concluímos que o barão deveria ser um homem poderoso, não alguém engraçado ou alguém de comédia, que o o que geralmente fazem com personagens assim.

Ele concordou. então esse foi nosso primeiro ensaio fotográfico. Doutor Moreau tinha essa pele hiper branca e suas roupas eram excêntricas, então algo nele trouxe uma resposta imediata de Stellan, inclusive. Sua cabeça, por exemplo, era super Apocalipse Now, quando ele estava na cena do vapor, mas para mim, era mais Doutor Moreau, porque era espalhafatoso e ao mesmo tempo, poderoso e perigoso. Foi isso o que aconteceu, cada personagem tinha seus elementos. 

Amélie: Falando sobre o Barão Harkonnen, quantas horas foram necessárias para montar o visual completo de Stellan Skarsgård?

Donald: Bom, quando nós terminamos o orçamento e vimos quantas pessoas precisaríamos para criar esse visual, quantos maquiadores precisariam estar em cena, com ele vestido já com o figurino, levaria mais ou menos em torno de 4 horas, com a necessidade de 5 pessoas para prepará-lo, mas quando ele estava sem as roupas, seriam 6 horas de aplicação. 

O que aconteceu no filme, foi que Stellan e Denis decidiram que o personagem ficava mais incrível sem as roupas, então quando eles decidiam não usar roupas, isso aumentava muito nosso cronograma e o valor do nosso orçamento, porque tínhamos que adicionar alguns dias extras de filmagens. Para mim isso foi meio como 'Ah, isso com certeza vai aumentar nosso tempo de trabalho', mas nós amamos o que fazemos então isso funcionou muito bem. Stellan é tão entusiasmado com o trabalho, que ele faz todo esse processo ser bem mais fácil. 

 

Por Victoria Hope

Um dos filmes que mais causou burburinho entre a crítica durante os festivais de cinema, está chegando. Licorice Pizza, nova comédia dramática da Universal Pictures, escrita e dirigida por Paul Thomas Anderson, estreia nos cinemas brasileiros amanhã, 17 de fevereiro. O filme recebeu três indicações ao Oscar: Melhor Filme (Paul Thomas Anderson, Sara Murphy, Adam Somner), Melhor Diretor (Paul Thomas Anderson) e Melhor Roteiro Original (Paul Thomas Anderson).

Ambientado no Vale de San Fernando, em 1973, o longa conta a história de um primeiro amor irreverente e contagiante, sobre um jovem ator que se apaixona enquanto filma o seu primeiro projeto.

Para dar vida aos personagens principais do filme, Paul Thomas Anderson convidou Alana Haim (como Alana Kane) e Cooper Hoffman (como Gary Valentine), que fazem sua estreia nos cinemas em Licorice Pizza. O longa também é estrelado por Bradley Cooper, Sean Penn, Tom Waits e Benny Safdie.

“Eu confiei tudo no Paul, ele confiou em mim. Eu queria fazer tudo, estava pronta para qualquer coisa que acontecesse a qualquer momento e estava tão empolgada por fazer parte desse projeto que, se Paul me dissesse para saltar de paraquedas no dia seguinte, eu teria dito: cadê meu paraquedas? Realmente se resumiu a confiança”, conta Alana Haim. Paul Thomas Anderson e Alana já haviam trabalhado juntos nas produções da banda de pop rock Haim, composta por ela e suas duas irmãs mais velhas.

Licorice Pizza estreia em 17 de fevereiro nos cinemas de todo o Brasil. Para mais informações sobre a programação do filme, consulte os cinemas de sua cidade.

 19/01/2022

Por Victoria Hope

Com direção de Tadeusz Lysiak e estrelado pela atriz polonesa Anna Dzieduszycka, 'The Dress', é uma das apostas na shortlist para o Oscar 2022 na categoria de Curta Metragem. Na trama, conhecemos Julia, uma camareira que possui nanismo e que deseja encontrar amor e busca por uma conexão através do toque. 

Ao longo da trama, acompanhamos a luta diária da personagem, que navega por seus dias trabalhando no hotel ao lado de sua melhor amiga Renata, entre risos e lágrimas, em uma história que mostra a conexão entre as mulheres e como mesmo com a vida de sofrimento, juntas podemos fortificar umas as outras.

Em tempos onde buscamos conexões e o verdadeiro significado que que é ser amado e acolhido, o longa de Lysiak toca no dedo da ferida do preconceito, abordando esse tema que é tão pouco explorado nos cinemas e que merece mais destaque. 

Nessa quarta (19), tivemos a oportunidade de entrevistar o diretor e a atriz sobre o filme e desvendar diversos detalhes e curiosidades relacionadas a essa forte produção. Você consegue conferir a nossa crítica completa de 'The Dress' aqui.

CONFIRA A ENTREVISTA

Tadeusz, Anna e o intérprete oficial durante a coletiva 

Amélie: Quais foram os maiores desafios durate as filmagens do curta? 

Tadeusz: Sabe, foram muitos desafios, alguns foram mais práticos e outros foram mais relacionados ao lado emocional. Escrevi esse roteiro super longo de uma página que continha 52 cenas nele e nós só tínhamos seis a sete dias para filmar. Então nós trabalhos provavelmente em 9 cenas por dia, o que foi extremamente difícil para nós.

Já os aspectos mais emocionais foram relacionados à amizade feminina e feminilidade, então tive que mergulhar em mim mesmo para buscar isso, então, eu tive que 'ser' uma mulher enquanto escrevia esse roteiro, tanto na produção quanto pós-produção, tive que buscar essa sensibilidade e também tive que buscar as emoções em Julia através das minhas experiências.

Quando eu era mais novo, no ginásio ou até mesmo mais novo, eu era muito magro, mas de uma forma nada saudável se me entende, nem me lembro quanto eu pesava, mas foi horrível, fui rejeitado pelas pessoas ao meu redor, eles zombavam de mim, então acessei justamente essas memórias para me identificar mais com Julia.  Então essa foi uma jornada emocional para todos nós, na verdade. Nós falamos muito sobre nossas experiências, eu e a Anna, até encontrarmos o que havia de comum em nossas histórias e nas histórias de todos a nossa volta.

Amélie: Além da sua performance, você conseguiu ver muito de você na personagem? 

Anna: Consegui me identificar com Julia porque também sou uma pessoa com baixa estatura e também enfrento esses problemas diários, como por exemplo, não consigo alcançar algumas coisas, fora que as pessoas ficam olhando porque tenho essa característica específica. 

Me identifiquei também pelo lado das emoções e da amizade feminina, justamente pela amizade entre Renata e Julia. Também me identifico com a primeira vez dela com um homem, mas acho que para muitos, a primeira vez pode ser 'insana', difícil e ou talvez possa ter sido até mesmo boa e feliz para nós, então, eu me identifico sim com a personagem, mas só até um determinado ponto, porque sou uma pessoa diferente dela. 

Sou uma pessoa que gosta de zoar e sair por aqui, acredito que sou bem 'soltinha', sempre com um amor, sempre socializando e conhecendo pessoas novas.

Amélie: O que o inspirou a escrever essa história nesse momento?

Tadeusz:  Eu estava procurando um assunto apropriado para o filme, porque essa é a minha formação,  acadêmica, então eu sempre começo com a pergunta: 'Qual é a história que eu quero contar? 'Quais são as emoções universais que eu quero abordar?' Eu queria fazer um filme sobre solidão, amor ou a falta dele, desejo, rejeição e todos esses sentimentos universais. 

Aí na internet, achei um artigo sobre pessoas com nanismo e quando eu li, isso abriu meus olhos, porque eu não sabia quais desafios eles enfrentavam diariamente, então me aprofundei ainda mais, li blogs e artigos sobre o assunto e fiquei chocado em saber que não existem tantos filmes sobre pessoas com nanismo com foco nelas. Existem alguns atores por exemplo, como Peter Dinklage, mas não tanto, então eu pensei, 'vamos nos aprofundar ainda mais nisso'.

Conheci então Anna e ela foi minha maior inspiração para esse filme, porque a encontrei quando eu já havia finalizado o roteiro, mas ele não estava bom, então quando me aproximei dela, ela me deu vários toques sobre o roteiro e como mudar o personagem para fazê-la mais real e autêntica, além de torná-la mais poderosa, porque quando vi o tão poderosa e forte Anna é por dentro e tão maravilhosa, seu senso de humor, o quão direta ela é.

Eu peguei tudo isso e acrescentei à Julia. Eu ia colocar Julia ouvindo músicas tristes, mas Anna me disse 'Não, vamos colocá-la ouvindo algo mais pesado', como death metal. 

Dorota Pomykała / Foto: Divulgação

Amélie: Como foi trabalhar com a maravilhosa Dorota? Ela foi completamente hilária. 

Anna: Dorata é simplesmente maravilhosa como pessoa, ela é tudo e é uma atriz de prestígio muito conhecida na Polônia, que tem muita experiência, mas ao mesmo tempo ela muito calorosa e muito aberta como pessoa e eu acho que a escalação dela para esse filme foi perfeita, porque quando a conheci pela primeira vez, nossa química durante a leitura do roteiro foi instantânea. Nos conectamos imediatamente e eu adorei ela. 

Amélie: O que significaria pra você vencer o Oscar desse ano na categoria de Melhor Curta? 

Tadeusz:  Meu Deus (risos), eu vejo esse filme como um ponto de ignição e isso significaria muito para mim, não porque apenas quero ganhar esse troféu lindo para ter em casa, claro que seria legal, mas o que eu realmente quero é que esse filme seja reconhecido e que ele seja visto pelas pessoas, mudar o mundo um pouco, para melhor, é claro. 

Por exemplo, vamos pegar o cinema, sejamos mais inclusivos, vamos trazer mais diversidade aos filmes, vamos falar sobre pessoas com nanismo, mas não apenas delas, vamos falar sobre pessoas com outras características únicas também, vamos falar sobre esse assunto que é muito importante para mim (inclusão). 

Levar esse prêmio seria uma grande honra e seria importante porque traria atenção para esse filme e mais pessoas assistiriam, porque esse é o nosso principal objetivo. Nós já alcançamos muito, mesmo com a finalização desse curta e com todas essas indicações, mas na verdade, somos mais felizes quando recebemos mensagens, emails e as pessoas nos buscam e nos agradecem pelo filme.

Quando ouvimos que alguém com lágrimas nos olhos,  nos agradecendo pelo curta, essa é nossa maior recompensa. As lágrimas são nossos Oscars (risos). 

Amélie: Para concluir nosso papo, esse filme é pesado, mas também nos traz uma importante mensagem sobre inclusão. Qual recado você gostaria de deixar para outras atrizes com nanismo que gostariam de entrar para a indústria?  

Anna: Minha mensagem seria: Não tenha medo de viver sua vida, não tenha medo de acreditar em você mesma. Se você sente algo em suas entranhas, vá em frente com seus objetivos. Julia mostrou isso para todos nós no filme, ela queria se tornar uma mulher (no sentido carnal e ela se tornou. 

Claro que não aconteceu da forma que ela gostaria que acontecesse, então quanto a isso eu só digo, não tenha medo de seguir seus sonhos e mais importante que tudo, trate as pessoas da mesma forma que gostaria de ser tratado. Então é isso, não tenha medo de viver em sociedade, não tenha medo de viver sua vida. 

 

Por Victoria Hope

Solidão, desejo amor e esperança são temas do short 'The Dress', de Tadeusz Lysiak, que está na shortlist do Oscar de 2022. O curta, conta a história de uma faxineira que trabalha em um motel numa área rural da Polônia e que busca por intimidade, mas será que as as visitas repetidas de um caminhoneiro intrigante serão suficientes para tirá-la da solidão? 

Julia, nossa protagonista, rapidamente faz amizade com o caminhoneiro Bogdan. Inicialmente, ela acredita que o rapaz está tentando tirar vantagem dela por conta de seu nanismo, mas o rapaz garante que não se importa com a altura da moça. 

Logo os amigos de Julia percebem a mudança nela, já que ela raramente sorri, mas após sua primeira interação com o caminhoneiro, algo muda dentro dela e percebe-se que há uma pontada de esperança no coração dela.

The Dress / Foto: Tadeusz Lysiak

O filme é um ensaio sobre a vida amorosa de uma mulher que busca não apenas encontrar sua alma gêmea, como também se encontrar e redescobrir e como o toque faz falta, seja de qualquer forma. Enquanto navega por suas próprias descobertas, Julia tenta entender seu papel e como o mundo a vê.

Ao longo da trama, a protagonista se depara com preconceitos e desafios diários que muitas pessoas com nanismo encontram no dia a dia, como por exemplo, encontrar uma roupa adequada e ser tratados como todos os outros clientes, ao invés de ouvir comentários desagradáveis. 

Além desse lado, testemunhamos o próprio preconceito pessoal que Julia tem consigo mesma, não aceitando esse aspecto de sua vida. Ela teme ser vista como um objeto, como algo que ela não é e teme o julgamento dos outros, mas isso é algo que ela trabalha aos poucos no filme.

The Dress / Foto: Tadeusz Lysiak

É impossível não se emocionar com a performance de Anna Dzieduszycka e toda a carga emocional que ela traz para a personagem, de forma visceral, principalmente nos momentos de desabafo de sua personagem sobre como a sociedade e ela mesma, se veem nesse universo de 'The Dress', além da bela relação de amizade entre Julia e Renata (Dorota Pomykała), que entrega uma atuação igualmente emocionante à trama.

Com mensagens de auto amor e respeito estampadas no espelho, Julia consegue encontrar o tão esperado vestido que recebe de sua amiga, para sair com o caminhoneiro e durante o encontro, tudo parece que vai bem, até ela descobrir a verdade sobre aquele rapaz desconhecido, que na verdade, era um monstro disfarçado de 'alma bondosa'. 

O filme termina com um gosto amargo, de que muitas pessoas, principalmente minorias, são vistas apenas como objeto ou fetiche. Essa é a triste realidade a qual Julia terá que confrontar, mas o final aberto, nos faz pensar. Será que Julia irá buscar o amor no fim das contas algum dia? Será que ela está questionando sua sexualidade? São muitas perguntas que com certeza serão preenchidas de acordo com o ponto de vista de cada telespectador.

NOTA: 10/10